« Memento Mori » de Pascal Rambert et Yves Godin

Perceptions/Analyses de Memento Mori (2013) de Pascal Rambert et Yves Godin

par Massimo FUSCO.

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Memento Mori de Pascal Rambert et Yves Godin. Photo Marc Domage.2013

Torsion de l’espace-temps

Dimanche 24 février 2013 à 20h30 au théâtre Benoit XII / Avignon.

Analyser une œuvre et plus particulièrement sa nature chorégraphique. Lire les mouvements et les traduire en mots pour comprendre la démarche artistique.

Après avoir vécu une semaine hivernale(s) en Avignon, après avoir parcouru l’académisme d’un Marathon Bagouet     dansé par une nouvelle génération, après avoir éprouvé l’ennui pendant Le Syndrome d’Ulysse de Jonah Bokaer, après m’être lassé des clichés hommes/femmes de Masculines de Héla Fattoumi et Eric Lamoureux, après avoir rencontré un John drôle et fûté d’Ambra Senatore, après m’être heurté au lyrisme de Précipitations de Paco Decina, après avoir découvert la joyeuse frénésie d’Anatomia publica de Tomeo Vergés, après avoir assisté à la prestigieuse et modeste création From B to B de Angels Margarit et Thomas Hauert, j’ai choisi de porter mon attention sur Memento Mori, œuvre à caractère chorégraphique de Pascal Rambert et Yves Godin.

Pascal Rambert, né en 1962

Il alterne l’écriture et la mise en scène de ses propres pièces dès le début des années 80. Depuis 2007, il dirige le théâtre de Gennevilliers, Centre Dramatique National de création contemporaine. Eloigné de tout procédé narratif, il cherche à renouveler les moyens et les formes du spectacle en renonçant aux modes habituels d’écriture. Il conçoit des projets entre performance et installation, des propositions « blanches » où le spectateur « écrit » de l’intérieur. Attaché à l’idée de déplacement, de transversalité des arts, Memento Mori est sa quatrième pièce chorégraphique.

Yves Godin

Il collabore depuis le début des années 90 en tant que créateur lumière aux projets de nombreux chorégraphes, artistes visuels, plasticiens, musiciens et performeurs abordant ainsi un vaste champ d’expérimentation esthétique. Sa démarche porte sur une lumière non dépendante de la danse, de la musique ou du texte. Elle peut entrer en résonance avec les autres composantes de l’acte scénique en travaillant autour de la perception de l’espace et du temps et le tissage de liens en réseaux avec les autres natures de présence (corps, sons, pensée, temps).

Dans un extrait d’entretien avec Pascal Rambert datant d’octobre 2011, on pouvait lire : « j’essaye de reconstruire ce que je crois qui peut exister au fin fond de ce qui nous constitue en tant qu’être humain et je me dis : je suis, sûr qu’en toi, en moi, il y a des restes de ces mouvements-là, qu’ils sont encore en nous. De la nudité, de la lumière, de la danse, des restes de 30 000 ans en nous. C’est ça Memento Mori. ».

Une démarche réflexive et sensorielle sur ces restes du passé, l’histoire de l’humanité (pour ne pas dire du monde) ferait partie de nous. L’objectif est audacieux, et j’aime ça, se connecter aux origines du monde en 1 heure : quel programme !

L’expression latine du titre : memento mori est littéralement traduite par « souviens-toi que tu vas mourir » ; ce qui redouble l’implication personnelle de l’enjeu. Son énonciation rappelle la composante d’un genre pictural dramatique : la vanité.

La vanité signifie « souffle léger, vapeur éphémère ». Elle porte le message de méditer sur la nature passagère et vaine (d’où vanité) de la vie humaine, l’inutilité des plaisirs du monde face à la mort qui guette. A l’instant, je pressens une motivation à analyser l’oeuvre sous cet axe : qu’ y a t-il de commun, de différent entre les vanités picturales et ce Memento Mori ? Peut-on dire que cette performance est une vanité ?

Une expérience empirique, une torsion de l’espace-temps qui donne à voir une autre réalité.

Dimanche 24 février 2013 à 20h30 au théâtre Benoit XII / Avignon.

Assis parmi le public venu en nombre (re)découvrir le travail de Pascal Rambert ou/et Yves Godin, un homme prévient les personnes sensibles à la claustrophobie que cette pièce est constituée de longues plages d’obscurité totale et donne les instructions à suivre en cas de malaise.

Les lumières de la salle baissent progressivement d’intensité jusqu’au noir comme pour nous accompagner jusqu’à cet univers obscur.

Plongé dans un noir total, un vrai noir (sans la signalisation des sorties de secours), un silence empêche toute perception de la scène, mais pas de la salle. Je me concentre sur ce qui a changé. Je ne vois plus les personnes dans la salle mais j’entends leur souffle, je perçois leur respiration – surtout celle de L.B. – et à partir de cet instant une expérience empirique se met en place avec la participation de mes voisins spectateurs. Mes coudes sont alors posés à proximité de leur cage thoracique, en contact sur une partie du bras je présume (rapprochement dû à l’étroitesse des salles d’Avignon). Le rythme respiratoire de chacun crée une sorte de mouvement pas tout à fait cyclique mais presque. Mon attention est attirée par des toussotements, des toux, des gesticulations d’autres spectateurs créant un ensemble de bruits pas tout à fait mélodiques mais presque.

Après quelques minutes, bercé par ce mouvement pas tout à fait cyclique et ces bruits pas tout à fait mélodiques, j’entends un craquement au plateau. Je me concentre, les yeux fixés dans la direction du craquement à jardin, devant moi en contre plongée, une masse spectrale apparaît. En effet, mon regard s’adaptant à l’obscurité, je commence à percevoir un puis plusieurs fantômes en mouvement. Etaient-ils déjà sur scène ou viennent-ils d’apparaître ? Ces silhouettes vacillantes sont d’ailleurs peut-être fixes, mais l’oeil dans l’obscurité totale les floute et les rend mouvantes. Aussi, et ce pour la même raison, si l’on fixe l’une d’entre elles, celle-ci a tendance à disparaître et il suffit de regarder non plus dans sa direction, mais juste à côté pour la voir réapparaître. La biophysique de la vision est passionnante mais trop complexe pour en rendre compte en quelques lignes. Plus d’informations dans cet extrait de BIOPHYSIQUE de David Farhi et Ruben Smadja:

https://books.google.fr/books?id=rYhxOyAkSgcC&pg=PA222&lpg=PA222&dq=adaptation+à+l’obscurité&source=bl&ots=sMxVjegSYz&sig=ThP53DkrEni9IJfeWTeCR4WEG6I&hl=fr&sa=X&ei=5284UeZgzb49-dqBsAI&ved=0CDUQ6AEwAQ#v=onepage&q=adaptation à l’obscurité&f=false

Un mot sur les costumes – Il est important de dire que pendant 5O minutes, l’obscurité est quasi totale. La seule vision possible est celle de ces masses blanchâtres/jaunâtres floutées mouvantes. N’ayant pas consulté le programme, je pensais que ce jeu de surbrillance était dû à un costume phosphorescent. Hors il n’y a pas de costume dans Memento Mori. C’est le jeu de lumière à très faible intensité sur les peaux nues qui donne à voir une image : celle de « ces masses blanchâtres/jaunâtres floutées mouvantes » dont mon imagination s’empare : « une masse spectrale… d’autres fantômes en mouvement ». D’ailleurs, ne distinguant pas complètement les membres inférieurs de leurs corps, j’ai le sentiment qu’ils flottent sur le plateau.

Je reprends ma description. Le corps m’apparaissant immobile ne l’est plus tout à fait. Je suis à présent capable de distinguer les contours encore mouvants de cette silhouette. Les membres supérieurs se détachent du buste avec lenteur et continuité, montent au-dessus de la tête puis redescendent avec la même douceur. Je m’adoucis également à la vision de ce fantôme auparavant angoissant (arrivant très proche de moi au bord du plateau et apparaissant brusquement dans mon champ de vision, immobile). Il se déplace, marche lentement à cour puis vers le fond du plateau pour rejoindre un groupe. Dans cette marche au ralenti, le transfert du poids lors des changements d’appuis est imperceptible. Commence alors une série d’actions simples. L’un va au sol, l’autre tend son bras, attrape sa main et le lève en contrepoids. Debout, ils s’étreignent.

Des jeux d’apparition/disparition se mettent en place (c’est un quasi pléonasme lorsqu’on se laisse aller à penser que ce sont des spectres). Les entrés/sorties rythment les actions au plateau : assis/debout/couché pour reprendre la formule d’Annie Vigier et Franck Apertet. Spatialement, certains se croisent d’autres s’évitent. Certains entrent d’un côté du plateau en marchant puis disparaissent par illusion d’optique et réapparaissent pour sortir de l’autre côté de la scène. D’autres se mêlent, s’emmêlent jusqu’au sol, roulent ensemble avant de se séparer.

J’insiste sur la qualité des mouvements qui sera sensiblement la même tout au long de la pièce. Ils sont lents, précis, organiques. Le poids de chaque partie du corps en mouvement est déposé comme si le squelette s’animait mais que la chair, les muscles, les viscères pendaient. Un corps fragile, vierge d’habitude. Un rapport assez particulier à la gravité donc et un flux continu qui tord l’espace-temps universel. Pas un saut, pas une course ni aucun autre mouvement rapide ne viendra rompre cette lente introduction qui m’évoque la pièce Herses de Boris Charmatz.

En effet, je vois dans ce continuum de déroulement d’actions au ralenti, une volonté de courber le temps, de changer de réalité : ici, on aurait tort de réduire l’action au seul prisme du temps mesuré. Vouloir gagner du temps – cela signifie dans plusieurs circonstances, vouloir gagner du temps mesuré au détriment du temps ressenti en sacrifiant ainsi la substance de l’activité concernée. Il s’agit ici (dans un premier temps) de briser la dictature du temps mesuré pour (dans un second temps) conscientiser le temps ressenti et enfin (dans un troisième temps) saisir l’immédiateté de l’instant.

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Memento Mori de Pascal Rambert et Yves Godin. Photo Marc Domage. 2013

Une vanité

La vanité est un genre de nature morte qui suggère que l’existence terrestre est vaine, vide de sens. La vie est précaire et n’a que peu d’importance. Souvent imperceptible, la principale différence qui distingue une vanité d’une nature morte est la représentation de personnages. Dans les vanités, les objets représentés sont symboliques de la brièveté et de la fragilité de la vie, du temps qui passe, de la mort. Ainsi le savoir, la science, les richesses, le luxe, les plaisirs et la beauté y sont mis en scène. La mort souvent symbolisée par un crâne relativise la connaissance, les autres vertus et les plaisirs futiles qui ne sont qu’éphémères. Au delà d’une pensée de finitude et de mort se révèle la représentation d’une société aisée, cultivée, éprise de richesse et sophistication.

Le corps qui m’apparaît immobile est certainement celui d’un homme me suis-je dis sans avoir lu le programme (qui indique la présence de 5 interprètes, tous masculins). Pourtant, malgré le fait qu’il n’y ait que des hommes au plateau, que l’équipe artistique ne soit composée qu’exclusivement d’hommes, la question du genre ne m’apparaît pas essentielle dans cette pièce puisqu’il y est difficile, voire impossible de détailler quoi que ce soit sur les corps, de décrire une marque de fabrique typiquement masculine dans les dispositifs. A bien y réfléchir, à l’exception des 10 dernières minutes, on ne peut qu’y retrouver des attributs correspondants au genre humain sans distinction de sexe. Les corps se rapprochent de la notion performative de corps-outils dans le sens où ils sont utilisés comme matières pour la composition d’un tableau vivant.

Lorsqu’au bout de 50 minutes, l’intensité de la lumière augmente, elle devient crépusculaire. Il est désormais possible de percevoir les corps et leurs contours, de voir ces hommes se déplacer et sortir un instant du plateau. Un temps. Ils reviennent, physiquement chargés. Chacun d’eux porte quelque chose de lourd et cela a une incidence sur leur marche. En effet, la charge opère une redistribution des masses corporelles, et par voie de conséquence, leur posture vient de changer. La personne que j’observe marche davantage sur les talons, ce qui accentue la cambrure du dos. J’aperçois sur son épaule une banane ainsi que d’autres fruits. Ils se rejoignent en cercle au centre du plateau et, à la manière de La danse de Matisse, se prennent par les bras. Les mains viennent accrocher les cous, les nuques, les épaules ou les bustes. Reliés ainsi les uns aux autres, ils amorcent une série de mouvements ondulatoires organiques. Le premier pas s’accompagne du son de fruits chutant au sol, puis par vagues successives, à mesure que l’amplitude augmente, que l’ondulation se propage, tous les fruits tombent et s’écrasent au sol. Le martèlement de la chute est parfois troublé par les bruits d ‘éclatement des fruits piétinés. Rapidement, l’odeur du raisin, de la banane se diffuse. Je plonge brièvement dans un souvenir d’enfance en Italie, celui du foulage des grains de raisins, pour en faire sortir la pulpe et le jus sans écraser le pépin, une des étapes de la fabrication artisanale du vin.

Bacchanale – Au sol, au milieu des fruits, les corps s’étendent les uns sur les autres et après quelques respirations de groupe, ils se dispersent, se recomposent, glissent ou s’érodent. Un couple s’enlace passant continuellement dans diverses situations érotiques. Un homme approche sa bouche du corps d’un autre et lèche ou aspire (je ne sais pas s’il avale…) le jus sur son buste. Il se rapproche davantage jusqu’à se lover dans les bras de son hôte. Ils seront rapidement rejoints par un troisième venant s’en mêler et s’emmêler de telle sorte que je ne distingue plus à qui appartient ce que je vois. Ivresse ou jubilation, Bacchus s’invite à l’effusion orgiaque.

C’est progressivement une lumière bleutée et froide qui viendra éclairer l’ultime scène de Memento Mori (à moins que cela ne fasse déjà plus partie de la pièce mais des saluts, et dans ce cas, il sera amusant de les décrire avec précision). Sans la moindre rupture avec ce qu’il vient de se passer le groupe se démêle, les corps enchevêtrés se dénouent pour regagner progressivement une place sur le plateau. Certains marchent à quatre pattes, d’autres rampent, roulent ou traînent. Tous s’accroupissent. A l’unisson ils pivotent face à nous, regroupent méthodiquement leurs appuis (mains et pieds) autour du polygone de sustentation et se redressent lentement en prenant soin de dérouler la colonne vertébrale pour arriver debout, vertèbre après vertèbre. Des gouttes de sueur ou de jus perlent chez les uns, coulent chez les autres. Le regard est suspendu, le temps autour de moi l’est aussi. Applaudissements. Dans une même qualité, sans discontinuité de temps ou d’énergie, ils saluent puis sortent de scène en marchant lentement à jardin.

Le crescendo de lumière sur ce dernier tableau dévoile un sombre paysage, le pendrillonage noir à l’allemande tranche avec l’exaltation des couleurs des fruits jonchants le sol, macérants dans leur jus. Ces cinq hommes musclés sont plantés là avec une présence de corps fragile presque végétale. Les codes sont à l’oeuvre dans la plupart des natures mortes et des vanités. Compréhensible aux spectateurs de l’époque, accoutumés et familiers des symboles moraux et religieux, ce langage a cessé de nous être accessible. La symbolique des objets et des couleurs s’interprète différemment selon le contexte. N’étant pas spécialiste, en voici une lecture tout à fait subjective, partiale et incomplète :

– le raisin serait l’incarnation de Jésus. Le « ceci est mon sang » de l’Eucharistie.

– la banane serait, par pure supposition, associée aux primates. Faudrait-il y voir la projection d’un instinct primitif ou d’une nature primitive de l’homme ?

– le fruit est associé à la prospérité mais aussi, puisqu’il est périssable, à la fragilité de la vie. Précision importante : le fruit abîmé est un marqueur essentiel de la corruption de toute matière, signe de la pourriture de l’être.

– le noir, couleur achromatique, symbolise par association d’idées à la fois la sobriété, la dignité, l’élégance, le raffinement, la richesse, le luxe (une pensée pour l’étalon noir de Ferrari), la puissance, le pouvoir, l’autorité, la menace, la révolte, l’anarchie (le drapeau noir), l’austérité, le deuil, le désespoir, la peur, le mal, le malheur et la mort. Sans oublier les mystérieuses expressions de noirceur aux connotations négatives : avoir des idées noires, broyer du noir, travailler au noir, être sur liste noire, jeter un regard noir, le marché noir, le mouton noir, l’humour noir… Le noir qualifie donc ce qui est imprévisible, dangereux ou malfaisant. Dès l’enfance, nous assimilons ce code (comme tant d’autres) auprès des contes ou des films d’animation : Caliméro, le personnage malchanceux, est noir… les corbeaux sont domestiqués par les sorcières… et cela persiste parfois à l’âge adulte, qui est pourtant considéré comme l’ « âge de raison » : les chats noirs sont un présage de mauvaise augure.

La volonté d’abolir l’espace-temps de la représentation théâtrale est vécue comme une immersion extraordinaire, irréelle. En effet, nous pouvions dans un même temps nous projeter dans le passé, à l’époque paléolithique, à Lascaux en présence d’hommes préhistoriques ou dans le futur, non plus sur terre mais dans la stratosphère, en présence d’extra-terrestres. Les caractères hautement symboliques (des fruits et des corps), la valeur du temps qui passe (putréfaction future : ils viennent de la terre et ils retourneront en terre), font de Memento Mori une vanité chorégraphique. Une vanité qui prend la forme d’un spectacle vivant, par conséquent éphémère : un passage immatériel. Et même s’il ne subsiste physiquement plus rien, il y a pourtant quelque chose de sensationnel qui reste là, quelque part en moi.

Lorsque Pascal Rambert définit cette pièce comme « solaire », j’ai envie de préciser qu’il s’agit alors d’un soleil noir, mystérieux et magnétique, qui suscite, comme toutes les œuvres fortes, des controverses ici à Avignon. Et puisque nous sommes dans la cité des papes, à Memento Mori païen, j’associerai : « Sorti nu du ventre de sa mère, il en retournera de même, et n’emportera rien avec lui du fruit de son labeur » la Bible.

 

Documents : Photos de Marc Domage / Scans du programme de salle recto/verso avec le nom des autres collaborateurs.

Lien : Entretien avec Pascal Rambert : http://www.theatre-contemporain.net/spectacles/spectacles-7469/ensavoirplus/idcontent/33119

 


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