“Parterre” Les Gens d’Uterpan

Perceptions/Analyse de Parterre Les gens d’Uterpan

par Véronique MOUTOUSSAMY.

Réception : La vidéo sur laquelle je m’appuie se trouve sur internet à l’adresse suivante : vimeo.com/30748139

Annie Vigier et Franck Apertet sont les chorégraphes de cette compagnie. Nés en 1965 et 1966, Annie Vigier et Franck Apertet, fondateurs des Gens d’Uterpan, travaillent ensemble depuis 14 ans. Invités par Stanislas Nordey au CND en 1999 avec Chez Gué Gué Louft, ils présentent Cave Canem au Festival d’Uzès en 2002. La rencontre avec Pierre Bal-Blanc, directeur du CAC de Brétigny-sur-Orge, marque en 2005 le début de la série des X-Events en partenariat avec Micadanses. Les divers protocoles X-Event sont produits par des centres d’art (Chamarande, Vassivière, Parc Saint-Léger), et présentés aux Biennales d’art contemporain de Lyon et Berlin en 2007 et 2008, à la Tate Modern de Londres ou pour l’inauguration du Nam June Paik Art Center de Yongin (Corée). En 2008, X-Event 0, pièce sans spectacle, forme la transition avec le processus re|action.

“Parterre” est le résultat d’une coproduction entre le festival Artdanthé de Vanves (Hauts de Seine) et le centre d’art de Brétigny (Essone) ou la compagnie est en résidence depuis 2008. Cette pièce d’une durée d’environ 10 minutes interfère dans un programme défini au sein d’un théâtre ou autre lieu de représentation ou de spectacle. Le lieu et le jour de cette performance restent confidentiels jusqu’à sa production. Ainsi les programmateurs ne savent pas toujours qu’il y aura une évènement avant le spectacle…..

“Parterre” se passe au milieu des spectateurs au moment ou ils s’installent dans le gradin juste avant que le spectacle commence. Parmi eux se trouvent des danseurs dont ils ne soupçonnent pas la présence jusqu’au début de la performance. Au moment ou ils le décident, ces danseurs vont aller se placer  tout en haut du gradin, puis  vont glisser sur les spectateurs en direction de l’avant scène. Une fois arrivés, ils se déshabillent, repartent se placer  au même endroit pour performer à nouveau nus.

Interprètes: Franck Apertet, Benjamin Body, Luis-Andres Corvalan Correa, Isabelle David, Sophie Demeyer, Damien Dreux, Cécile Laloy, Déborah Lary, Clémentine Maubon, Olga Osorio, Stève Paulet, Denis Robert, David Zagari, Francesca Zivian.

16/10/2010, Théâtre National de Chaillot, Paris, 20h25
19/06/2010, Deutsche Oper Berlin, 19h15
18/06/2010, Deutsches Theater, Berlin, 19h55
17/06/2010, Schaubühne, Berlin, 19h55
14/06/2010, Théâtre de la Ville, Paris, 20h25
08/04/2010, Théâtre de la Cité Internationale, Paris 19h55
27/03/2010, Théâtre National de la Colline (grande salle), Paris, 20h25
12/02/2010, Théâtre de Vanves, Paris, 21h10
05/02/2010, Grand Palais, Monumenta, Paris, 18h55
29/01/2010, Centre Pompidou (grande salle), Paris, 20h25
12/03/2009, Maison des Métallos, Paris, 20h28
30/01/2009, Théâtre de Vanves, Paris, 20h25

Perception-analyse :

Je vais dans un premier temps, analyser chorégraphiquement la performance, ensuite, je me pencherai sur la notion de spectateurs et  conclurai en expliquant le choix de cette vidéo.

Le corps s’enroule, se déroule, glisse, épouse les formes, s’adapte, s’appuie, se dépose, se noue, se dénoue…… Le mouvement s’effectue en « slow motion ». Très lentement, le danseur s’appuie quelque part pour pouvoir transférer son poids aux extrémités de son corps afin de se déplacer vers le point souhaité ou prendre appui. La gravité est un des paramètres  en jeu dans ce mouvement. En effet, il est question de ne pas la subir, en travaillant avec un axe central très fort, un centre du corps puissant afin de permettre au corps de prendre appui, de transférer son poids, et d’arriver en douceur . Les extrémités du corps sont disponibles pour récupérer le poids, pour aller chercher Dans cet exercice, il est aussi question de pouvoir modifier sa tonicité musculaire afin de s’adapter à toutes les formes que ce corps va rencontrer. Il s’agit de rendre le corps perméable, souple, malléable. Dans le corps, il y a à la fois, ce jeu de détente, de relâchement musculaire pour épouser une forme rencontrée et il y a aussi une densité, une tension musculaire dans les  parties du corps qui prennent appuis solidement pour effectuer le glissement et le transfert. Ce corps passe d’un état d’apesanteur à une forte densité.

Les sens sont  fortement sollicités dans ce mouvement.

Le « slow motion » donne le temps aux yeux, de scanner l’espace proposé par l’architecture du corps du spectateur et du fauteuil, puis d’organiser son corps consciemment afin de répartir les appuis du corps nécessaires au transfert.  Les yeux jouent un rôle essentiel car ils servent à équilibrer les mouvements du corps. Ils stabilisent le mouvement de la tête dans l’espace, ce qui permet au reste du corps de se coordonner, de s’organiser. Ils participent au 6eme sens, sens de la proprioception.

Le sens du mouvement, la mesure de nos mouvements nous sont donnés par l’échange constant entre nos capteurs sensoriels musculaires, articulaires, tendineux, par les capteurs de l’oreille interne qui forment le système vestibulaire, par la vue, par les capteurs tactiles de la peau, par les pieds….

Dans le mouvement, tous les sens coopèrent entre eux pour percevoir les autres, leurs présences. Les sens sont comme des antennes qui capturent notre environnement  puis, renvoient des signes au cerveau pour que le corps puisse s’adapter aux différents situations et construire sa perception.

Dans « Parterre », les sens constituent le moyen de comprendre l’environnement, de rassembler toutes les informations qui vont amener un état perceptif, et guider les actions. Il s’agit d’une perception kinesthésique.

Ainsi, passons à présent au Toucher qui a deux fonctions : émettre et recevoir. La deuxième fois, que les danseurs performent, ils sont nus, ce qui amplifie l’état de réceptivité de la peau. La nudité dans cette performance permet d’accroître la sensation, les récepteurs cutanés sont réveillés par les multiples contacts, par la myriade de matières qu’elle rencontre.

Evoquons le système dit « haptique » a ici, un rôle fondamental. Le terme « haptique » vient du grec et signifie « capable de saisir ». Il est employé lorsqu’un animal, un homme sent ce qui l’entoure avec ses extrémités, son corps. Le système « haptique » concerne le corps dans son entièreté. Grâce aux terminaisons nerveuses contenues dans la peau, dans les articulations, le danseur collecte les informations sur ce qui l’entoure et sur la position de son corps. C’est à la fois la perception tactile et kinesthésique. Autrement dit, ce sont des processus complexes qui doivent intégrer simultanément les informations cutanées, proprioceptives et motrices liés aux mouvements d’exploration cutanée.

Je vais à présent me concentrer  sur les spectateurs, sur leurs réactions.

Les danseurs arrivent, se placent en bas du gradin, observent puis montent le gradin. Les spectateurs observent les danseurs. Lorsque les performeurs sont en haut du gradin, tous se retournent vers eux car ils sentent qu’il va se passer quelque chose.

Les danseurs commencent leur performance. Au début, les gens sont calmes, ils sont dans un rôle d’observateur. Puis on entend des murmures, on perçoit des sourires amusés, on remarque des éclats de rire  par la suite. Certains se questionnent, d’autres ont l’air fasciné, admiratif, indifférent, curieux, agacé, gêné….

On voit des spectateurs accueillir le corps du performeur, l’aider à traverser, ou ne pas bouger et simplement recevoir le poids du danseur.

L’étape du déshabillage fait apparaître de nouvelles réactions : ils sont figés et observent très attentivement ce qui se passe, ils s’interrogent. Des éclats de rire plus intenses traduisent la gêne, le malaise. Des spectateurs  quittent l’espace du gradin. On sent le questionnement et l’appréhension chez certains.

Lorsque les danseurs nus remontent les escaliers pour recommencer la descente, des spectateurs se lèvent pour observer. On voit un spectateur filmer avec un téléphone, on voit un flash d’un appareil photo sur le corps d’un danseur. Les commentaires sont de plus en plus fort en intensité et plus nombreux. Certaines personnes restent stoïques, observent, accompagnent les corps qu’ils réceptionnent. Un spectateur caresse la tête d’un danseur. D’autres sont passifs, subissent, se baissent pour recevoir, s’écartent pour laisser passer, se laissent manipuler, ou bien sont crispés, outrés. On entend clairement des commentaires : « oh, non, non, je vais prendre la pause clope », (…) « chouette, on a un mec »,(….) « tu vois que c’est bien »…..

Enfin, à l’étape du rhabillage, un silence se fait à nouveau entendre. On sent un soulagement chez certains spectateurs, chez d’autres, une appréhension  sur ce qui va suivre.

Avec cette performance et  d’ailleurs, tout ce qui se passe bien souvent hors les murs ou hors cadre, se produit une inversion des points de vue. En effet, le spectateur devient acteur, c’est lui qu’on regarde. Il devient ici l’élément presque central de la performance. On s’amuse à le regarder, à analyser ses réactions. Le public est associé à l’acte performatif mais il n’est pas conscient de son rôle ou moment ou l’action se déroule. Le public devient l’objet d’un divertissement.

Anna Halprin avait modifié la donne en développant une partition pour le public pour qu’il renforce l’action. Il devenait ainsi un casting additionnel.

 

Une toute autre réflexion se pose : celle de la violation de l’espace du spectateur. Dans un théâtre, le spectateur a conscience d’aller voir un spectacle. Il sait qu’il va être ce consommateur passif pendant un temps donné. La frontière est claire entre la scène et le public. Néanmoins, il se fait totalement surprendre dans ce dispositif car il devient la cible de notre regard. Il se voit contraint à subir cet événement, il est pris en otage. Il est piégé, perturbé et se sent obligé de participer car il n’a guère le choix. Pour les chorégraphes Annie Vigier et Franck Apertet, il s’agit :

«d’interagir avec le travail du danseur et la réalité physique de son corps (….) ». Les danseurs s’imposent aux spectateurs dans un corps à corps, à fleur de peau et certains n’ont pas envie d’être dans un degré d’intimité aussi proche.

Les nouvelles formes de production, les performances, protocoles, manifestes amènent les spectateurs à avoir un rapport différent à la représentation, à être des spectateurs différents. La relation est de moins en moins une relation frontale et la frontière entre art et vie demeure brouillée.

Lors d’un entretien avec Thomas Hahn pour la revue « Cassandre » (printemps 2010 ; article intitulé « les démocrates d’Uterpan »), Franck Apertet déclarait : « Parterre met en évidence la rigidité du cadre dans lequel a lieu le spectacle, qui est une infirmité ». Ici, il est question de remettre en cause les codes traditionnels et normes de la représentation. Ils veulent « bousculer les attentes codifiées et l’absence de surprise dans la scène très institutionnalisé des arts vivants ». De facto, ils nous proposent d’autres modalités d’apparition, de production et de lecture de la danse.

Ils questionnent le rapport aux codes esthétiques par la rupture avec les artifices utilisés par le spectacle et interroge aussi l’intérêt de ce qui se produit sur scène.

Cette performance a retenu mon attention par  la mosaïque de comportements qu’elle nous propose de découvrir, par la double observation : danseur et spectateur, pour tous les messages qu’elle transporte, par l’intensité du travail corporel, par les risques que prennent les danseurs.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
DU ADP (10 février 2014). “Parterre” Les Gens d’Uterpan. DU Art Danse Performance. Consulté le 20 juillet 2024 à l’adresse https://doi.org/10.58079/ny5t


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