Perceptions/Analyse de Violet de Meg Stuart / Damaged Goods (création en juillet 2011 à Avignon)

par Caroline GROSJEAN.

Le spectacle «Violet», vu dans le cadre de la Bâtie-Festival de Genève. (Chris Van der Burg/LDD)

Chorégraphie : Meg Stuart / musique en direct : Brendan Dougherty / scénographie : Janina Audick / dramaturgie : Myriam Van Imschoot / lumière : Jan Maertens / costumes : Nina Kroschinske / créé avec et interprété par : Alexander Baczynski-Jenkins, Varinia Canto Vila, Adam Linder, Kotomi Nishiwaki, Roger Sala Reyner

Travail de perceptions et mémoires à partir de la pièce vue le 17 novembre 2011 au Centre Pompidou.

Le choix de cette pièce comme support à ce travail d’analyse chorégraphique s’est fait en plusieurs temps et au gré de plusieurs aller-retours. Tantôt…

– évident, au vu de l’engagement physique des interprètes, de la performance physique qu’ils réalisent, de l’abstraction de la pièce, de mon interêt pour le travail de Meg Stuart…
- complexe du fait de mes perceptions et sentiments mitigés durant la pièce où je suis restée en retrait…
- frileux, parce que mes souvenirs n’en sont pas vraiment précis et que je n’avais pas prévu de prendre des notes pendant la pièce ni prémédité le travail d’analyse d’aujourd’hui…

– intriguant enfin justement pour toutes ces raisons qui me poussent à re-questionner quatre mois plus tard des sentiments et sensations restés en suspens.

étape 1  
creuser, labourer la mémoire, chercher des traces pour provoquer des souvenirs, laisser apparaître, laisser émerger, laisser ressurgir, laisser faire, laisser dire…

violet ultra-violet couleurs transe Meg-Stuart mur-réflecteur courbe frontal désaxés fraîcheur danseurs-jeunes corps-performant questions empathie alchimie abstraction engagement froideur à-corps-perdu abandon-total conceptuel immersion nappes-sonores énergies rituel répétitions abîmesconstruction-spatiale frontalité axes dessiner silence rupture écritures improvisations bras projections partages essoufflement solitudes honnêteté voyages-intérieurs espace-palpable matières-corporelles souffle vivants couloirs communicatif t-shirts baskets amalgame-de-corps maladresse expérience-intime interprètes loin-de-mes-attentes dévotion gouroue? collaboration mélanges mouvements sol-blanc arc-en-ciel épuré esthétique le-coeur-au-bord-des-lèvres… admiration envie-d’être-à-leur-place face-à-face continu persistant lancinant proche-et-lointain aller-retours violences désarticulation neutralité corps profondeurs étirement-du-temps labourer superficiel musicien-invisible accumulation retrait la-fin? pourquoi-repartir? chamanisme laxité mitigé intimité discothèque animal primaire androgyne voyage-souterrain à-la-surface contradiction sentiments-mêlés subjectivité sincérité corps-dansant abimés mouvements-infîmes démultiplication directions routes brassées rebonds se-jeter témoin décharges-électriques corps-performant danse extérioriser les-danseurs-qui-exultent-à-la-fin lâcher-tout beau fatigués extrême don générosité déroutes traversées tics mouvements-incontrôlés…

étape 2 : le contexte

J’ai découvert le travail de Meg Stuart avec Appetite au Kaaitheater de Bruxelles en 1999 et cela a été une des expériences esthétique et sensible les plus fortes que j’aie pu vivre, que ce soit en tant que danseuse-spectatrice ou en tant que simple spectatrice. Je suis restée depuis fidèle au travail chorégraphique et à l’univers de cette artiste américaine qui travaille en Europe et notamment en Belgique.
Je me sens proche de son travail, de manière presque viscérale et, de manière très intime, extrêmement touchée par la femme. Ce sentiment a été confirmé lors d’un workshop de 3 jours où la qualité et la sincérité dans le travail associées à une grande générosité ont achevé de me séduire, littéralement.

J’ai du mal à séparer l’oeuvre de l’artiste. Parce que son travail porte sa signature corporelle et que c’est son corps qui me parle en premier lieu : sa force, sa sensibilité, sa sauvagerie, sa précision, sa présence travaillée, sa justesse, sa pudeur, son impudeur, son regard froid, sa générosité, et dans cette complexité et ses entrelacs : sa relation aux autres.

Ses spectacles me parlent, me racontent, me secouent, me touchent parce qu’ils sont ancrés dans le concret, le mouvement émergeant de situations ou de scénographies souvent très présentes, voire monumentales. Et ce corps incrit dans le réel, dans le social, dans la relation à l’espace et à l’autre est pour moi un corps extrêmement dansant : travaillé, parcouru, construit, porteur d’expériences passées, sensible, projeté, social, maîtrisé, transi, engagé dans l’ici et maintenant.

Un ami musicien m’a parlé de la force ressentie, du choc, de la révélation qu’il a eu à la réception de Violet lors de sa création en juillet à Avignon. A ce moment, j’ai déjà reservé une place pour voir la pièce à Pompidou. J’ai aussi lu plusieurs critiques et résumés sur internet. Je ne suis donc pas arrivée totalement vierge à cette représentation en novembre, curieuse de goûter aussi à cette expérience, dans l’attente de vivre de nouveau une sorte de révélation, et avec l’intention et l’envie peut être trop grande de vouloir me faire emporter pour un voyage intense, toute prête à être conquise…

La première chose que j’ai ressenti a été malgré tout de la surprise devant la sobriété de l’espace, la relative jeunesse des interprètes, l’immobilité du début qui donne de suite le ton de la pièce. Il n’y aurait pas ici de concret, pas d’histoires, mais des mouvements, des corps sans théâtralité et uniquement au service de la danse.

étape 3 : recréation de la pièce au travers de mes souvenirs d’espace, de lumière, des interprètes, de la musique…

Noir, flash lumineux, lumière blanche diffuse.
Dès les premières minutes, on sent que l’on part pour une longue traversée.

Les interprètes se sont installés dans le noir. ils sont immobiles, en fond de scène, face public, le regard au lointain. Chacun dans leur couloir.
Au sol un tapis de danse blanc qui délimite un grand espace de jeu, sur toute la profondeur du plateau.
A jardin, le compositeur et musicien s’installe, face à ses instruments : une batterie, des guitares, des amplis… le regard face aux danseurs et de profil au public. Tout au long de la pièce, il est à la fois visible, très présent, comme un repère, et en même temps en retrait, témoin, accompagnateur des danseurs et du public. En fond de scène, en lisière du tapis blanc, des plaques sombres, comme des miroirs noirs, dessinent un mur légèrement courbe sur sa moitié droite.

Durant ces longues minutes d’immobilité, le son commence à emplir l’espace. Il ne cessera pendant presque une heure trente de s’épaissir, de s’intensifier, de se complexifier, de se densifier, de s’étendre. Mais sans jamais dépasser mon seuil de tolérance. Au contraire cette musique m’enveloppera totalement durant ce voyage. Chez les danseurs commencent à naître de minuscules mouvements, invisibles puis visibles, comme s’ils découvraient le mouvement, comme s’ils voulaient tester, goûter, montrer une partie de leur corps. D’imperceptibles aller retours. tourner une paume, lever une épaule, sourire?

Ces mouvements seront la base de la partition de chacun, où ils se développeront, se transformeront, s’amplifieront… et les entraîneront pendant presque une heure dans l’espace, dans un abandon, une transe, une explosion des mouvements. Ils s’arrêteront alors de nouveau face public, mais cette fois au bord du plateau, proches des spectateurs, les regardant, retrouvant leur souffle, leurs esprits, leur contrôle.
Silence. Regards echangés. Souffles.

De là, ils repartiront lentement, se retrouvant par deux, puis trois, jusqu’à former un amalgame de corps roulant sur lui même, assez maladroitement, en comparaison à la virtuosité précédente. La lumière s’est réchauffée, elle laisse apparaître en se reflétant sur le mur, des halos verts, jaunes, violets sur le tapis blanc, rappelant les couleurs de l’arc en ciel.
A partir de là, mon souvenir s’estompe, ils se retouvent seuls, dans l’espace, en mouvement. pendant encore plusieurs minutes. Comme une reprise de la scène précédente. La musique a repris en même temps que les corps. Elle envahit à nouveau tout l’espace.

Flahs de lumière. Noir. Silence.
Ils saluent, plusieurs fois.
Lorsqu’ils sortent pour la dernière fois, on les entend crier, exploser, relâcher la tension et la fatigue en coulisses.

étape 4 tentative d’analyse

A corps perdu – Démultiplication – Déroutes

Cela commence par une longue immobilité. Puis un minuscule mouvement se met en place chez chacun. Comme si danseurs et spectateurs le découvraient en même temps, le partageaient. Invisible puis visible, développé, amplifié, explosé, puis jeté hors de soi comme pour s’en débarasser, pour s’en arracher. Une heure trente de voyage corporel aux limites de la fatigue et des capacités physiques de chacun.
Je ne me souviens que de deux danseurs sur les cinq interprètes. Et de leur haut du corps. L’un pour ses bras immenses, articulés, et les amplitudes de buste avec lesquelles il joue. L’autre, pour sa ressemblance, son mimétisme avec Meg Stuart, une violence maîtrisée retenue entre les épaules, une folie contenue, une force intérieure et la capacité à tout lâcher.

C’est impressionnant de maîtrise et de lâcher prise. C’est totalement lisible, précis et entièrement dévoué, offert, engagé.
Le mouvement se construit à partir d’un centre du corps extrêmement solide, le bassin planté au centre des appuis. De là, le corps se prolonge et chez ces deux danseurs, ce sont des extrémités de corps très conscientes qui dessinent, emmènent, montrent, croisent, s’échappent, s’éloignent, s’extraient. Mains et bras sont à la fois moteurs et traces. Epaules et colonne, souvent engagés chez Meg Stuart, sont ici mis en jeu mais au service du mouvement et non pour appuyer un ressenti ou une présence particulière. Comme si le mouvement, toujours entraîné, ne laissait pas le temps à l’interprète de constater ou de juger de son état émotionnel. Il semble qu’il ne soit que dans une conscience corporelle instantanée, dans l’action, qu’elle soit contrôlée et incontrôlée. Il m’apparaît en effet qu’ici la virtuosité est dans cet entre-deux où le danseur est dans une double présence, dans un double état : un corps maître de ses actes et de la progression de sa partition et un corps capable de se surprendre, de ne pas anticiper chaque mouvement, mais de se laisser envahir par une volonté, une initiation non prévisible, non dirigée, non intellectualisée. En cela, j’entends une capacité à cour-circuiter ses pensées, ses réflexes, ses habitudes. Et ainsi à se propulser totalement dans le mouvement et l’espace, à déployer une énergie de plus en plus grande, à s’abandonner à la transe, à faire violence à ce corps en le repoussant dans ses retranchements.

Malgré tout cela, je perçois une écriture extrêmement rigoureuse et un certain équilibre de l’espace. Le plus souvent verticaux, les danseurs se détachent clairement du tapis de sol blanc. Ils sont des corps solitaires, chacun dans leur couloir, même s’il s’agit ici plus d’un couloir temporel que spatial. Ils me donnent l’impression d’être intimement liés, reliés, communicants entre eux par des codes que je n’arrive pas à déceler.
L’improvisation est une méthode de travail très utilisée par Meg Stuart, mais je n’arrive pas ici à faire la part de ce qui serait d’un côté une écriture pré-déterminée et de l’autre une écriture qui se ferait en temps réel et qui permettrait un tel abandon physique et énergétique. Je me demande d’ailleurs pourquoi je cherche à comprendre cette construction, plutôt que de me laisser aller à suivre le spectacle.

C’est pourtant très beau.
Ces corps qui donnent l’impression de développer leur propre partition, recentrés sur eux mêmes et totalement projetés dans l’espace, modèlent le plateau. Ils le font à vue en avançant dans leur histoire, et néanmoins je les redécouvre en permanence à d’autres endroits, avec de nouvelles nuances, dans d’autres directions. Ils sont chacun à leur tâche, labourant, désorientant, désaxant, reprenant, amplifiant, creusant. Ils démultiplient donc les mouvements, les énergies, les projections. Et par là même, ils démultiplient mes perceptions, mes ressentis, mes doutes, mes questions. Au fur et à mesure de l’expérience, je me sens alors de plus en plus éloignée de ce qui est en train de se passer et étrangement extérieure à moi-même et observatrice de mes réactions.

J’alterne ainsi entre une profonde empathie, un regard d‘interprète et un regard de spectateur. Ces danseurs me donnent l’impression d’être désaxés, dans tous les sens du terme. Contrôlables et incontrôlables. A la fois solitaires et dépendants les uns des autres. Ils sont immergés dans leur corps, dans leur monde, dans leur partition, dans leur fatigue. Ils sont aussi abandonnés aux mouvements et aux spectateurs.
Mais malgré cela, je n’arrive pas à participer pleinement au voyage. Je me retrouve moi aussi seule dans un couloir, égarée.

Et je repense à Déroutes, pièce de Mathilde Monnier vue en 2004, où les interprètes, beaucoup plus nombreux, poursuivent eux aussi leur marche au bout de leur isolement et de leur fatigue. Mais de ce désordre et de ces partitions, ils avaient réussi à m’entraîner dans un univers et un espace mental rémanant.

Profondeur et Surface…

…visible et invisible, empathie et analyse, don de soi et expérience personnelle, immersion et recul, solitude et expérience partagée… De ces contradictions, de cet espace entre-deux, de cette élasticité, mon ressenti par rapport à Violet perdure et est encore trouble aujourd’hui.
Ni déception, ni exaltation. Mon regard d’interprète est admiratif du travail de construction du corps et des epaces, mais mon regard de spectatrice reste à distance. Le chemin parcouru en arrière, à la recherche de mes souvenirs et de mes sensations d’alors ne fait que prolonger cet état d’équilibres et d’interrogations.

Comme si l’exercice ici réalisé, tout en éclairant les pourquoi, confortait cette réception en demi-teinte, cette non émotion. Et en même temps cette persistance à exister dans ma mémoire, à ne pas disparaître, à rester une expérience consciente de bout en bout.

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