Archives mensuelles : mars 2014

Bartolome Ferrando “Poésie et action”

Compte-rendu de séance “Poésie et action” de Bartolome FERRANDO (artiste de la performance et de la poésie sonore, enseignant à l’Université de Valencia)

du vendredi 12 avril 2013, Université de Franche-Comté UFR SLHS

par Magali ALBESPY.

ferrando-1

Témoignage d’un performeur proche de l’Art Action et de la Poésie Concrète dont nous avons vu quelques actions lors de la table ronde de la veille.
Actions dans la rue, ou à l’intérieur, en lien avec le matériau mot, souvent figuré en lettres visuelles et ces lettres ayant un rôle plastique et symbolique. Ou encore, une série d’actions sans la présence de mots ou de lettres Musica Visual déclinée en plusieurs formes avec mouvement et son de matériaux (ex : Bartolomé verse du sable d’un arrosoir en lui imprimant un mouvement. Le sable ondule dans l’air et tombe sur un pupitre en créant du son.)

Il fait référence à des courants ou des personnalités qui l’ont inspiré : poésie concrète, lettrisme-I. Isou, L. Lemaitre-, Yoko Ono-grapefruit-, poésie sémiotique-Luiz Angelo Pinto-, Far-Walter Marchetti, Shieko Shiomi, John Cage.
Bartolomé passe en revue son «répertoire» d’actions, avec des photos en noir et blanc qui nous permettent souvent de saisir en un cliché le contenu et le sens de l’action de façon très efficace. Ces actions portent des titres en espagnol à évocation directe. Au cours de la présentation de ses travaux il partage quelques définitions et principes théoriques qui guident ses goûts et sa démarche.

La simplicité : «Simple. Presque rien c’est plus, c’est mieux. Ne pas remplir, diminuer.» Image poétique : Composer une image et faire une intervention dedans.
Aléatoire : Cohabitation d’éléments choisis au préalable et d’une ouverture sur l’inconnu et le jeu. ex : un choix d’éléments mais pas d’ordre.

Improvisation : Nous avons en nous «un réservoir de goûts» dans lequel on puise dans l’improvisation.
Indétermination : principe développé par Cage pour aller plus loin que soi-même, plus loin que ses propres goûts. Vide et élimination de l’ego.

Ego : «Dans l’action ce qui est important c’est de voir le corps, c’est mieux si on ne voit pas l’artiste.»

Répétition : «Ce n’est pas nécessaire de répéter la pièce mais c’est bien de faire un petit essai.» (surtout si on travaille avec des matériaux qu’il faut apprivoiser).

Temps : le temps intime – le temps du corps est différent du temps de la pensée. C’est le temps de la méditation, pendant lequel les choses arrivent d’une manière différente. (Considération importante pour travailler l’indétermination).

Perception décentrée : Quand on fait une action, on devient le centre de l’action, comment décentrer l’action ? Mettre le corps à égalité avec les autres éléments. Les différents éléments sont des centres énergétiques aussi forts que soi (cf Cage).

Art Action : Art de la perception.

Dans un deuxième temps, nous nous prêtons à une pratique de décomposition du langage et prononciation.
«len gua je pri mi ti vo»
Bartolomé mélange les syllabes, enlève les voyelles, les organise en paragraphes avec des répétitions, met du rythme avec des temps de silence, etc. La difficulté de lecture, de prononciation et de rythme, met le lecteur dans un état d’urgence très énergisant. La nécessité de faire fi des erreurs et ratages pour ne pas s’interrompre, demande également d’endurer les perturbations et de ne pas céder à l’auto-jugement.

«Insultes phonétiques» : projection vocale et physique pour prononcer les sons du langage décomposé.

Poésie : par la tête/par le corps, pour la tête/pour le corps — propos subjectifs à débattre

poesi_bartolome

Le corps poétique de l’artiste

Dans certaines performances expliquées et montrées en photo, l’artiste est en action et utilise son corps de façon fonctionnelle (sortir de la viande crue d’un globe avec les mains, verser du lait sur une vache en plastique). Ce n’est pas le corps qui est poétique dans son état, sa virtuosité, sa sensibilité, mais c’est l’ensemble de l’image qu’il contribue à créer qui est poétique. La poésie de cette image peut résider dans sa plastique pure ou dans le sens qu’elle génère en association avec les mots (les mots visibles dans la performance ou ceux du titre), les objets et les actions.

En revanche dans la pratique phonétique de décomposition du langage, le corps est porteur d’une poésie de l’engagement et de la sincérité physique du dire. Un dire qui n’est pas un dire fonctionnel mais un dire stylisé, poétisé. Dans cette forme le corps prend une place poétique centrale. La poésie réside dans la façon dont l’action est portée, quel que soit son contenu de signification.

La réception de la poésie chez le spectateur

Quand l’art a beaucoup affaire au sens (associations d’idées, humour, symbole), il me semble qu’il parle plutôt à la pensée, à l’imaginaire créateur de sens du spectateur.

Dans d’autre cas, la réception est plus physique, plus mystérieuse, comme si le spectateur recevait la poésie directement dans son corps, sans qu’elle prenne la forme d’une idée. Pour ma part, il me semble important qu’il y ait un équilibre entre réception sensée et réception sensible.

La poésie dans la performance

L’art performance, dans sa recherche de codes, de processus et de transgression soulève pour moi la question des risques d’un art trop intelligent. Le garde fou est alors la poésie, qu’elle soit sensée ou sensible, elle est indispensable. Quand la poésie est absente, c’est alors aussi peut-être que l’on voit plus l’artiste (et son égo) que le corps (et son action). Mais encore faut il arriver à définir ce qui fait poésie… 

Bartolome-Ferrando.-copy

Soundline, B.Ferrando.

 

Demosthenes Agrafiotis “Une sélection d’idées, de questions et d’échanges”

Compte-rendu de séance “Une sélection d’idées, de questions et d’échanges”

de Demosthenes AGRAFIOTIS (artiste de la performance et de la poésie sonore,

collaborateur de l’École d’art d’Athènes)

du jeudi 11 avril 2013, Institut Supérieur des Beaux-Arts de Besançon

par Magali ALBESPY.

Agrafiotis_Demosthenes

Empédocle performeur #1

Poète/philo/médecin/activiste mort en faisant une sorte de performance : a sauté dans l’Etna en laissant sur le bord une de ses sandales en or.

Expérience de groupe proposée par Démosthène : faire une petite «perf» ensemble.
Une succession de photos sur les traces d’Empédocle en Sicile – vestiges d’Agrigente, Etna, campagne, apparitions furtives de Démosthène (dans le rétroviseur de sa voiture) un poteau au milieu du cadre et autres détails subtils amusants – alternée avec des pages de mots en grec/anglais/français en lien avec Empédocle.
Démosthène lit les mots en grec et en anglais et le groupe lit les mots en français.

+++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++ Maïka : En quoi est-ce une perf ? intention, désir de faire, spectateurs/acteurs, un échange d’énergie entre une personne qui prend l’initiative et des personnes qui restent avec lui et participent.
L’énergie ? se traduit par des échanges de regards, mots, objets, gestes, émotion, idées, etc.

Approche anthropologique.

Quel est notre contexte socio-culturel ?

++++++++++++++++++++++++++Étudiant de côte d’ivoire dont j’ai oublié le prénom : L’art est un concept européen. En Afrique l’art est symbolisé par la sculpture sur bois. Via la colonisation on assiste à une apparition d’écoles d’art qui apportent d’autres disciplines artistiques dont la performance. // Mode de réponse : discours debout. ++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++ Habdaphaï : Question de l’identité «schizo» de la Martinique : Afrique, Caraïbe, Amérique, Europe, France, etc. // Mode de réponse en addition : une perf/action «JE …. suis martiniquais.» Mouvements du corps sur sa chaise, gestes sur soi (bousculades, frappes), modulations de voix et de rythme. +++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++ Démosthène : Les contours délicats de la performance selon la culture. En Inde, la poésie est omniprésente dans le langage. «Ma femme» = «La lumière du foyer». Il n’y a pas de performance en Inde mais tout est performance en Inde. +++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++ Ame Elle : En Occident, la performance sert à recréer un rituel dans une société où il n’y en a plus.

débatdébatdébatdébatdébatdébatdébatdébatdébatdébatdébatdébatdébatdébatdébatdébat Démosthène distribue la parole, elle est prise parfois spontanément sans son autorisation. Plus tard, il reconnaît et assume de détenir le pouvoir de contenir/orienter/arrêter le débat.

Le rituel par Lévi-Strauss : «La Manie et le Désespoir».
La société est exposée à des questions difficiles (vie? mort? …). Les réponses données passent par des actions : les rites, les cérémonies qui aménagent une présence/absence du sacré, pour apporter un réconfort face aux traumatismes individuels et collectifs.

Effets de ces rites :
– positifs : cohésion sociale, participation collective, effort de représenter et de comprendre, créer du lien social, un effet fonctionnel et stabilisateur.

– négatifs : certaines cérémonies peuvent être destructrices et destabilisatrices de la société.

Le rituel est à la limite du fonctionnel et du symbolique. Notre société occidentale est forte au niveau de l’organisation, de la production, de la fonctionnalité mais faible au niveau symbolique. La performance est un effort désespéré de réintroduire du symbolique et de questionner les liens sociaux.

+++++++++++++++++++++++++++++++++++++++ Sophie : un exemple de rituel négatif ?

débatdébatdébatdébatdébatdébatdébatdébatdébatdébatdébatdébatdébatdébatdébatdébat voileexcisionépisiotomie // Magali : Est-ce-que ce sont des rituels ? actesdelangagecarnavalfoot // Magali : Distinction entre le disfonctionnement imprévu d’un rituel (accident/débordement) et un rituel foncièrement destabilisateur ?

+++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++ Démosthène : Indonésie. Lorsqu’un deuil survient dans une famille importante et puissante, celle-ci doit organiser de grandes festivités avec les villages environnants. Si elle n’a pas les moyens de prendre en charge les coûts de ces cérémonies, elle perd son pouvoir. Ce rite peut donc se révéler catastrophique pour la famille et le village.

++++++++++++++++++++++++++++++++++ Je pense à un autre exemple que je partage avec Sophie en sortant pour la pause : La dot que les familles indiennes doivent produire au mariage de leur fille est si onéreuse qu’elle mène à des infanticides de petites filles et à un déséquilibre démographique filles/garçons dans la population. En Occident, la performance a du sens pour pallier à ce manque de symbolique. L’artiste invente son propre rituel. Mais toutes les cultures n’ont pas cette nécessité.

Intermédia. Dans la performance, on fait aussi un effort pour dépasser les divisions entre les différentes disciplines artistiques. La performance peut-elle avoir un espace propre ? Une caractéristique importante de la performance : Une personne prend l’initiative et fait une action devant les autres au présent. La performance travaille «aux limites par les limites et au-delà des limites».

Science et performance. On parle d’«anthropologie performative». L’observateur participe de cette performance collective de l’observation et de l’état d’être observé. Des approches linguistiques et sociologiques sont basées aussi sur ces notions de performance, par un questionnement des codes et des limites.

Politique et performance.
Les hommes politiques sont-ils des performeurs ?
Les actes politiques sont-ils des performances ?
11 septembre : Initiative, dépassement des limites, symbole. Les auteurs se sentent des performeurs ? non.

La performance : une arme politique. +++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++ Ame Elle : Immolations par le feu.

Egypte 30 ans inutiles. Métaphore des 30 ans de la vie de l’artiste et 30 ans du régime de Moubarak. L’artiste est tué par la police le soir même.

Chine Tian’anmen. Parmi les pseudo-responsables on compte 4 poètes-performeurs.
En Chine, la performance est un acte criminel qui s’appelle «action politique». Stratégies pour faire malgré l’interdiction : action brève 3mn, prise de photo, dispersion.

Propos ? et piège de l’ethnocentrisme.

Manif de «caucasiens» en uniforme d’ouvrier chinois, à Pékin par Démosthène. Lutte pour quelque chose qui n’est pas clair. Naïf, dangereux, inconscient… se sont fait photografiés probablement par la police.
Pour le public : étonnement absolu. Démosthène reconnait qu’il a projeté une perf selon les codes occidentaux, comme un fantasme.

Magali 7/05/13
L’anthropologie d’entre toutes les sciences humaines (auxquelles elle a beaucoup apporté) a travaillé de façon essentielle sur l’autre, la relativité des perceptions et des schémas de sens, la remise en question des certitudes et des jugements. Ces valeurs étant pour moi très importantes dans la pratique artistique -car génératrices d’ouverture et d’émancipation- je trouve intéressant de faire des ponts entre art et anthropologie. En tant que chercheurs (en sciences ou en art), nous gagnons à échanger sur nos données et nos approches.
Dans le cadre du travail que nous menons sur la performance, j’apprécie les démarches «érudites» où nous sommes nourris de culture et de références de l’histoire passée et actuelle de la performance, mais je trouve très important (et bienvenu en 3ème session, car le travail avançant, mon intérêt sans doute aussi se déplace) d’être questionnée dans mon regard et stimulée d’un point de vue plus réflexif en prenant un peu de recul sur le sujet que nous étudions.
La performance est un intermédia. Questionnons-le avec des interméthodes…

P1190623

 

Demosthene Agrafiotis, Exposition The in-Tension #2 , ISBA, Excentricités, 2014.

Table Ronde “Jeune création en Suisse : Transdisciplinarité ou indisciplinarité ?”

AfficheTableRonde

Jeune création en Suisse : transdisciplinarité ou indisciplinarité ?

TABLE-RONDE PUBLIQUE co-organisée dans le cadre de la manifestation WE Suisse #2, par le Besançon Réseau Art Contemporain et le D.U. Art, danse & performance, avec le soutien du service Sciences, arts et culture de l’Université de Franche-Comté.

Le jeudi 10 octobre 2013 de 19h30 à 22h. Amphi Donzelot. UFR SLHS Université de Franche-Comté

AVEC :
Anne DAVIER chargée du Journal de l’ADC, Genève
Patrick DE RHAM directeur artistique du festival Les Urbaines, Lausanne
Véronique FERRERO DELACOSTE directrice artistique du festival far°, Nyon
FOOFWA D’IMOBILITE artiste chorégraphe, Genève
Anne ROCHAT artiste de la performance, Lausanne
Darren ROSHIER artiste performeur,Vevey

Flyer-performances-web

“Not About Everything” de Daniel Linehan

Perceptions/Analyse de Not About Everything (2007) de Daniel Linehan

par Frédérique LATU.

parisart-16-mc93-linehan-01G-17926

En 2007, à New York, un jeune artiste américain de 25 ans, Daniel Linehan, présentait un solo d’une demi-heure titré Not About Everything. Avec l’arrivée du jeune danseur-chorégraphe en Europe pour participer en tant qu’étudiant au cycle de formation mis en place par l’école P.A.R.T.S[1] à Bruxelles, sa pièce commence à être invitée et circule en France dès la saison 2009/2010 dans quelques lieux repérés. Malgré la radicalité de la proposition, le public et les critiques sont largement séduits. Cette performance apporte enthousiasme et renouvellement. Elle déroute par ses contradictions apparentes. Sur la forme et sur le fond : simple et complexe, profane et spirituelle, abstraite et expressive, virtuose et sans démonstration. Cette pièce intrigue d’autant plus que son auteur, encore inconnu, présente lui-même quelques mystères : jeunesse et maturité, pudeur et dévoilement. Il livre une véritable performance, physique et artistique aspirant le spectateur dans une sorte de fascination hypnotique. Ou de méditation existentielle. Entre repli sur soi et ouverture sur le monde, entre concept et expérience, Not About Everything questionne les paradoxes internes de l’être humain tout en proposant une écriture chorégraphique au-delà des débats actuels sur ce qui fait danse. En ce sens, Daniel Linehan signe ici, en acte, un manifeste de sa démarche artistique. Il y interroge la question de la création, du pourquoi au pour qui en passant par le comment.

À travers l’analyse de la pièce[2], il s’agira donc de montrer quels éléments sont mis en œuvre pour faire Manifeste et quels sont les fondamentaux affirmés par l’artiste. Une première partie étudiera la cohérence du dispositif scénique qui place l’auteur au cœur de la pièce. Puis, la deuxième partie interrogera le mouvement mis en œuvre par Daniel Linehan, l’inscrivant dans une tradition multiréférencée. Enfin, la troisième partie visera à établir les relations entre le texte, le son et le mouvement afin de tenter de dégager la vision du corps promue par l’artiste.

 

1) L’artiste au cœur du dispositif : une affirmation de soi dans sa singularité

À découvrir Not About Everything, la première image qui imprègne le spectateur est une attention focalisée uniquement sur l’artiste en scène. Non seulement parce que la forme solo s’y prête, mais surtout parce que tous les éléments scénographiques convoqués convergent vers la présence de Daniel Linehan sur le plateau.

a) la forme solo au service du je

Daniel Linehan est à la fois le chorégraphe et l’interprète de la pièce. Il est le sujet et l’objet, l’auteur et la matière. Le choix du solo renvoie inéluctablement à une volonté de travailler avec soi-même, son imaginaire et ses propres capacités physiques. Le solo est ainsi souvent emprunt d’engagement personnel et d’autobiographie. Il révèle immanquablement une part intime de l’auteur. Ce dernier s’exprime dans un langage qui n’appartient qu’à lui et le transmet directement, sans médiation, avec le spectateur. Le solo est alors fréquemment pour les artistes un moyen d’extérioriser une vision personnelle du monde mais aussi un espace privilégié pour l’expérimentation. Certains l’ont même associé fortement à la modernité en danse en tant que source de renouveau esthétique[3].

Dans le cas de Not About Everything, Daniel Linehan utilise la forme solo pour créer un dispositif dans lequel il apparaît central. Sa personne et son existence constituent le cœur même de la pièce, tant dans sa dimension physique, motrice que psychologique et émotionnelle. Pendant 30 minutes, il s’expose au public sans relâche ni répit dans toutes les composantes qui le définissent comme individu-artiste-chorégraphe-danseur.

b) un dispositif scénique autocentré

Le public, justement, n’est pas relégué dans la salle, sur les gradins. Au contraire, les spectateurs sont installés sur une rangée de chaises à la lisière du plateau, sur les quatre faces, de manière à border un espace central. Au centre de ce plateau ainsi délimité se trouvent 8 livres et/ou revues et/ou journaux[4] posés au sol qui esquissent un cercle d’environ 2,5 m de diamètre. Lors des tournées, ces éléments sont différents[5]. Il est donc facile d’en déduire que l’artiste prend ce qu’il trouve sur place ou ce qui compose sa lecture du moment. Ces ouvrages reflètent un état du monde à un moment précis, l’instant t de la représentation. Ils sont les seuls éléments de décors.

Le public est déjà installé quand un jeune homme entre en scène. Il porte un pantalon type jean et un gilet sweet, d’une couleur similaire. Ce costume s’apparente à une tenue quotidienne, plutôt décontractée, sans aucune extravagance. Il est pieds nus. Sans musique, sur tapis blanc, lumière tamisée sur le plateau, l’artiste se place au centre du petit cercle dessiné par les ouvrages, éclairé par une douche de lumière blanche. Il y restera durant quasiment toute la durée de la pièce, à l’exception des 3 dernières minutes.

Avec ce dispositif circulaire augmenté d’une conception lumière qui se concentre uniquement sur lui, Daniel Linehan s’offre à la vue des spectateurs du début à la fin. Les regards viennent de toute part. Il ne s’accorde aucune échappatoire. L’attention ne peut porter que sur lui. Plus encore, dès le moment où il entre en mouvement, les ombres qui sortent du cercle de lumière dans lequel il se trouve, rayonnent autour de lui. Cet effet accentue l’aspect central de l’artiste.

Par ce positionnement et l’absence de tout déplacement au-delà de l’espace délimité, l’artiste s’affirme au cœur du/de son monde tout en se cantonnant à un espace extrêmement réduit alors qu’il pourrait évoluer sur tout le plateau. Ce rétrécissement et cette centralisation volontaire de l’espace posent les premiers questionnements : malgré l’immensité de la terre, chacun ne créé-t-il pas un monde à sa mesure en s’appuyant sur ses repères personnels ? Et dans cette réalité particulière, chacun ne se situe-t-il pas au centre de son monde ? Aussi, Daniel Linehan intrigue : est-ce totalement égocentré de se localiser de manière aussi ostentatoire au centre du monde ? Ou bien, est-ce d’une grande honnêteté d’avouer cette tendance plus ou moins consciente de tout être humain de culture occidentale de penser le monde à partir de lui-même ? Question simple à laquelle chacun se confronte… Parallèlement, une impression d’espace confiné se dégage : sommes-nous protégés ou enfermés dans le monde que nous nous construisons ? Quelle ouverture sur l’autre ? Quelle solitude ? Quelle porosité entre soi et les autres ? Enfin, si l’espace utilisé par l’artiste est restreint, il est défini à la taille du corps humain, à la kinésphère de l’artiste. Par ce biais, Daniel Linehan se concentre sur l’essentiel, à savoir lui-même.

Un autre paramètre vient alimenter ce dispositif autocentré : le son. Il provient quasi-systématiquement de l’artiste en action. Soit parce que ces mouvements produisent du son à l’instar du frottement des pieds de l’artiste sur le tapis. Soit parce que la voix émise est celle de Daniel Linehan. D’autant que cette voix intervient à deux niveaux : en live et en voix off enregistrée. Ce procédé de dédoublement de la voix de l’artiste conjugué à l’absence de tout autre bruit que celui généré par son propre corps conforte l’attention sur un JE central.

Les autres données audibles renvoient à un fond sonore urbain (circulation automobile, sirène policière…), comme si une fenêtre était ouverte sur la rue pendant la représentation. Ils ne sont utilisés que rarement, dans des temps de respiration et d’ouverture, quand Daniel Linehan sort de son monologue. En rappelant un environnement familier et quotidien, ils réinscrivent l’artiste et les spectateurs dans une réalité commune.

Dernier élément qui renforce encore la posture autocentrée : la lettre. Au milieu de la pièce, Daniel Linehan entreprend la lecture à haute voix d’un courrier. L’auto-référencement est évident puisqu’il s’agit d’une lettre écrite par l’auteur à un destinataire inconnu. Le dédoublement intervient cette fois entre le texte écrit et le texte lu, et ce, par une seule et même personne, Daniel Linehan. Cette redondance est encore renforcée par le contenu du texte qui n’évoque qu’une seule chose : Daniel Linehan lui-même.

Seul en scène, Daniel Linehan accentue la forme auto-référencée du solo en créant un dispositif scénique épuré et minimaliste où il centralise tous les regards. La pièce est construite par lui, pour lui, avec comme élément focal : lui-même. Il ne cherche pas à s’extraire de l’exposition de sa personne induite par la forme solo mais au contraire, l’explose en la saturant. Il dit Je et assume sa singularité en tant que personne unique dans ce monde. Et pourtant, grâce à la simplicité du dispositif, la transparence et la cohérence des différents éléments, il évite l’écueil de la monstration d’un seul ego. Dès les premiers instants, par les éléments scéniques cités, il plonge le spectateur dans un questionnement qui ne le quittera plus : si la pièce n’est pas “about everything”, elle parle inévitablement de Daniel Linehan, de son rapport au monde, à l’autre et aussi à la danse.

Linehan_notabouteverything

2) L’artiste en mouvement : entre folie et abstraction, entre concept et expérience

Daniel Linehan, au sein du dispositif décrit, s’affirme également comme un danseur en recourant à plusieurs procédés chorégraphiques qui l’inscrivent dans une histoire de la danse.

a) la figure de la rotation : une référence chorégraphique

Quand Daniel Linehan entre en scène, il se place donc au centre du cercle défini par la lumière sur le plateau. Il reste immobile quelques secondes, le corps dans son axe, les bras le long du corps, la tête droite. Imperceptiblement, il commence à bouger les pieds et à tourner, sur place, dans le sens des aiguilles d’une montre. Il accélère progressivement sa vitesse, tandis que les bras se lèvent à la verticale, comme pris par l’élan. Plus il accélère, plus les bras s’élèvent jusqu’à atteindre la ligne des épaules. La main droite tend alors à regarder le plafond, la gauche le sol.

Le regard est au loin, il ne s’appuie sur aucun repère. Contrairement à la technique classique qui recommande de garder un point fixe pour éviter d’avoir la tête qui tourne, l’artiste maintient sa tête dans l’axe du tronc et le regard dans l’axe des orbites des yeux. Il ne changera ce rapport qu’à l’occasion d’actions spécifiques à deux ou trois reprises.

Les pieds sont le socle du mouvement rotatif. Ils contrôlent ce tournoiement qui durera quasiment toute la durée de la pièce, à l’exception des ultimes minutes. Dans la mobilité des jambes et des pieds, Daniel Linehan ne garde que très rarement un pied en pivot (sauf dans les moments de grands ralentis) et ne choisit pas non plus une évolution en glissé constant. Au contraire, il est toujours dans le déséquilibre de la marche ou du saut : l’alternance continuelle d’un pied à l’autre. Tout au long de la pièce, les pieds sont donc la base, le socle fondamental à partir duquel peut se déployer le reste du corps. Ils apparaissent presque déconnectés des autres membres, comme s’ils pouvaient continuer à tourner, quoiqu’il arrive. Daniel Linehan semble alors lancé dans un mouvement perpétuel que rien ne saurait arrêter. Ce tour ininterrompu sur lui-même, ce flux permanent provoque un trouble de la temporalité. Le public perd ses repères.

Le mouvement de rotation continue édifié comme vocabulaire chorégraphique de base dans Not About Everything n’est pas sans évoquer un certain nombre d’influences et de références.

D’une part, le tour sur soi-même est effectivement une des figures les plus associées à la danse. Pour preuve, l’imaginaire collectif le traduit à merveille dans la représentation des danseuses des boîtes à musique. Celles-ci sont toujours incarnées en train de réaliser, en boucle, la fameuse pirouette[6]. Selon Sophie Jacotot, “La danse de scène d’Europe a développé très tôt la technique du tour sur soi, sur une ou deux jambes d’appui, à pied plat ou sur demi-pointe, puis en réduisant la surface du pied au sol grâce à l’usage des chaussons à bout rigide. Aux côtés des sauts, les tours (pirouettes, tours piqués, etc.) apparaissent comme l’élément de virtuosité par excellence dans le ballet classique”[7]. De par son importance dans l’histoire de la danse, le mouvement de rotation a été exploré par de nombreux chorégraphes contemporains[8]. Daniel Linehan s’essaye, à son tour, à cet exercice complexe : verticalité, importance de l’axe, équilibre, aplomb. Il se présente donc au public comme un danseur, à la haute technicité qui pousse à l’extrême cette figure pour y démontrer une virtuosité dans son art. Il s’insère ainsi dans une continuité historique “classique”. Mais dans cet absolu se glissent d’autres ambiguïtés…

D’autre part, cette figure de rotation renvoie en effet à une autre forme de tradition chorégraphique : les danses giratoires. Celles-ci, présentes dans de nombreuses cultures, s’inscrivent dans des pratiques rituelles ou spirituelles tels les derviches tourneurs. Et dès les premiers tours de Daniel Linehan, cette référence est prégnante même si l’auteur engage ici une corporéité très différente[9] de cette confrérie religieuse. Pour celle-ci, la rotation est une modalité particulière de l’invocation divine. “Le tournoiement, preuve d’une maîtrise de l’équilibre, est l’image de la perfection vers laquelle tend le croyant, mais il referme aussi un aspect extatique et un caractère hypnotique pour celui qui tourne comme pour le spectateur”[10]. La verticalité centrale permet alors le lien entre le ciel et la terre, entre le corps et l’esprit, entre le matériel et le spirituel, entre le profane et le sacré. Tandis que le tour sur soi-même permet de perdre ces repères habituels pour entrer en transcendance. C’est pourquoi, le tournoiement est souvent présent dans les danses de transe. L’emploi de cette figure par Daniel Linehan, si elle est exempte de rituel, par l’implication complète de l’artiste dans l’acte giratoire répétitif, éprouve l’épuisement et recherche un dépassement de soi proche de l’idée de transe. Sans oublier non plus, une certaine relation avec la folie : la dimension obsessionnelle paraît indissociable à cette action de tourner en rond. Enfin, une forme de cosmogonie est invoquée : par son dispositif scénique, Daniel Linehan s’est placé au centre du monde. Avec sa rotation, il rappelle que la terre tourne autour du soleil et que lui-même tourne autour de son axe.

Si la rotation évoque une tradition de la danse classique et contemporaine, elle rappelle donc également une relation au spirituel et à la transcendance.

Par cette figure, Daniel Linehan se présente au public en tant que danseur dans une longue tradition historique protéiforme et pluriculturelle de la danse. De plus, dans la répétition à l’infini du même mouvement, dans ce vertige provoqué par ce tourbillon et par la perte de repère temporel, le spectateur est happé dans une sorte de fascination, une hypnose où il se laisse aspirer. Un suspens le tient du début à la fin. Qui va l’emporter : la maîtrise absolue de l’artiste ou bien l’abandon à une force qui le déborde ? Car si la rotation est forme d’équilibre, Daniel Linehan y introduit de nombreuses modulations et actions qui le poussent vers le déséquilibre. Cette composition faite de répétitions, variations, juxtapositions, actions place cette fois l’artiste dans une historicité plus contemporaine de la danse.

b) des actions post-modernistes

La rotation continue sur un seul axe vertical de Not About Everything sert de base à Daniel Linehan pour explorer toute une gamme de mouvements à partir de contraintes et d’une partition extrêmement précise. Rien ne semble laissé au hasard ou à l’improvisation. En mettant ici de côté le texte, le son et leur rapport au mouvement sur lequel reviendra la troisième partie, le dialogue répétition/variation peut s’observer rapidement dans le langage du corps.

La première variation qui se déploie sur l’ensemble de la pièce est la vitesse. Les accélérations et ralentissements se relaient constamment pour initier un rythme, permettre des respirations, écrire une dramaturgie. De même, l’amplitude donnée à la rotation change régulièrement : tournoiement ramassé avec des pieds très rapprochés ou bien largement ouvert avec les pieds écartés. Amplitude et vitesse se conjuguent avec des changements sur les mouvements des bras (pliés, tendus, devant, sur les côtés, en l’air, en bas, à l’horizontal, à la verticale, etc.), des mains (ouvertes, poings fermés, index pointés…), de la tête (levée, baissée), de la bouche (ouverte, fermée, parlant, lèvres pliées, langue sortie…), de la respiration (expirée, inspirée, tenue, affirmée…), de la voix (douce, forte, médium, criée, tue, seule, dédoublée…), des phrases (mots, prononciation, accent, articulation, intonation, répétition…) mais aussi sur l’intensité des gestes et leur tonicité. Ces modifications interviennent constamment, se combinent. Ces changements de chaque instant modifient continuellement la perception. De plus, ces transformations ne se développent pas dans un fondu enchaîné mais plutôt dans des ruptures renouvelées. Elles sont franches, rapides et visibles. Elles ne travaillent pas sur la métamorphose mais sur l’apparition rapide d’images. Il n’y a aucune stabilité ni équilibre ni routine dans le mouvement malgré la répétition continue de la rotation. Le spectateur est maintenu en alerte. Il ressent des états différents et éprouve des sensations diverses. Il est ballotté d’un sens à l’autre.

Tout au long de la pièce, les voix de l’artiste, celle enregistrée et celle en live, vont également se répéter, se chevaucher, se recouvrir. Elles disent la même chose, sur le même rythme, en même temps. La voix est comme dédoublée. Et ce dédoublement intervient de manière quasi-systématique. Un tel rapport entre la voix en live et la voix enregistrée trouble l’auditeur. On ne sait qui dirige l’autre. La bande sonore est-elle un support, un soutien pour l’artiste afin de le guider en cas d’oubli ou au contraire est-ce une contrainte supplémentaire que l’artiste s’inflige, obligé de se calquer sur un rythme qu’il a lui même préétablit ? En se doublant lui-même, Daniel Linehan se prive d’une forme de liberté dans l’interprétation et/ou de la possibilité de varier différemment. Mais en se donnant un cadre, il évite de se perdre. C’est une ambiguïté qui demeure jusqu’à la fin. D’autant que si le danseur tente d’être constamment raccord avec la voix enregistrée, irrémédiablement, des écarts s’installent. Et ces écarts génèrent d’autres sens, d’autres interprétations que celles énoncées. En effet, la voix enregistrée n’a pas été captée pendant que l’artiste était en train de performer / de tourner, mais à un micro au repos. Aussi, la teneur de la voix est différente. C’est un peu comme un play black inversé. Rajoutée aux mouvements, la partition de la voix conforte l’impression d’un exercice difficile, presque impossible. L’artiste ne semble se permettre aucune faille. Là non plus l’échappatoire n’existe pas. Physiquement, on le voit caler ses respirations rapidement pour être raccord avec la voix enregistrée. Une notion d’urgence et de contrainte se diffuse. Mais en écho, si ce système induit la possibilité de l’erreur, il stimule également l’écart avec le pré-déterminé. Le risque de l’indéterminé, de l’incertitude et de l’accident est pris ouvertement. Et favorise un jeu sur les frontières, questionnant le choix de chacun de les suivre ou non : quelles libertés s’accorde-t-on face au cadre que l’on s’est donné ?

Daniel Linehan rappelle ainsi dans quelle mesure la répétition et la variation changent le sens à travers le temps et l’espace, comment de petites altérations dans les répétitions peuvent créer des effets sensibles. Cette partition de répétitions, variations et modulations n’est pas sans évoquer les apports de la Judson Church dans la danse contemporaine actuelle. Cette citation au courant post-modernisme américain est redoublée par les multiples tâches effectuées par Daniel Linehan tout en tournant sur lui-même : boire, lire, écrire, parler, se déshabiller (enlever son gilet et son pantalon). Ces actions relèvent de la notion de “Tasks” (tâches) conceptualisée, dans les années 1960, par la chorégraphe américaine Anna Halprin pour introduire le quotidien dans la danse[11]. Cette référence à la Judson Church place de nouveau Daniel Linehan dans une tradition chorégraphique, plus contemporaine et plus familière pour lui, jeune danseur américain, né dans les années quatre-vingt. Il affirme une fois encore qui il est et d’où il vient : un individu singulier, danseur et chorégraphe, inscrit dans une histoire de la danse partagée et reconnue.

Enfin, par cette écriture chorégraphique précise autour du tournoiement, des variations et de la réalisation de gestes quotidiens, Daniel Linehan propose une danse à la fois conceptuelle et abstraite mais également archaïque et empirique. Il plonge le spectateur dans une expérience kinesthésique immédiate. Chacun, et dès son plus jeune âge, ayant déjà fait cette expérience de tourner sur lui-même et connu le vertige associé. Le sentiment d’empathie envahit le spectateur qui ne peut s’empêcher de se demander : mais comment fait-il ? combien de temps peut-il tenir ? La performance perçue par le public est donc avant-tout physique. Malgré la simplicité du mouvement de tourner, elle est virtuose dans sa durée. Elle réclame une forte endurance, une mémoire importante et une technique parfaite. Cette virtuosité ne s’en tient pas là : l’artiste s’impose des difficultés supplémentaires en jouant de modifications permanentes dans une partition gestuelle et sonore combinatoire complexe qui entraîne le spectateur dans une expérience sensible et conceptuelle. Plus encore, Daniel Linehan se rajoute un texte conséquent qui ne fait que renforcer l’empathie puisque le sens, se construisant au fur et à mesure, parle à chacun de son humanité.

 

3) L’artiste en mots : une quête identitaire

Les deux premières parties ont montré que la structure globale de la pièce s’appuie d’une part sur un dispositif scénique circulaire dans lequel Daniel Linehan occupe une place centrale et d’autre part sur un mouvement giratoire continu et une partition combinatoire qui exposent l’artiste sous toutes ces facettes tout en l’inscrivant dans une tradition chorégraphique artistique et spirituelle. Par ces deux aspects, le chorégraphe danseur affirme une recherche qui part de lui-même, sans simulacre. Cette quête de soi se poursuit dans l’exploration du rapport son, voix, texte, mouvement. Car le texte et la voix occupent une place prépondérante dans Not About Everything. Ils sont omniprésents et opèrent tant sur la dimension formelle que sur le sens. La composition en séquence permet à présent d’analyser une dramaturgie au service du signifiant et du signifié.

a) 1ère partie : un texte prétexte à l’exploration sonore et perceptive (10 min.)

Dès la deuxième minute de la pièce, une fois la rotation entamée, la voix enregistrée et l’artiste prononcent très vite, distinctement, tout en accélérant le tournoiement : “one one one one one one one one one one one one one one one” (un). L’artiste respire, puis recommence six fois. Première réaction : on dirait un enfant faisant une expérience physique, testant ses limites. Ce mot “one” fait également écho à la forme solo et à la position centrale de l’artiste dans son dispositif.

Tout d’un coup, le rythme ralentit légèrement tandis que l’artiste, toujours doublé de la voix enregistrée, déclare : “this is not about everything” (ceci n’est pas à propos de tout). Cette phrase, répétée plusieurs fois, servira de leitmotiv à la pièce. Le rythme du tournoiement se calme, la tension redescend, la rotation s’installe. La phrase est dite onze fois puis l’artiste baisse la tête. On entend alors seulement la voix enregistrée répéter cette même phrase six fois : que se passe-t-il ? est-ce une abdication ? une soumission ? un refus de continuer ? ou juste une respiration ? Le spectateur est dérouté. Le danseur relève la tête et reprend la phrase avec la voix enregistrée. Mais cette fois, en introduisant de petites altérations : “this this is not about everything” ou “this is not about everything thing”.

Progressivement, d’autres variations de la phrase s’instaurent : un jeu sur la prononciation en changeant un accent placé de manière différenciée sur une syllabe ou bien en modifiant le phrasé (hachée ou liée) voire la diction, l’articulation ou l’intonation des mots. Ces variations sonores sont accompagnées au fur et à mesure par des modifications dans les mouvements des bras, des mains, de la tête… par des changements de vitesse, d’amplitude, d’adresse…. Le sens des mots et de la phrase devient protéiforme. Parfois accueillant, interrogatif, accusateur, défensif, inquiet, victorieux. Les mots finissent par se vider de sens pour ne laisser entendre que la musicalité et une rythmicité. Le spectateur est emporté par ce tourbillon sans comprendre ni réclamer davantage.

Ensuite, combinées aux modulations du mouvement, arrivent les premières variations sur le texte lui-même : “this is not about everything” devient “this is not about therapy” (ceci n’est pas à propos de thérapie) puis “this is not about deseperation” (ceci n’est pas à propos de désespoir) et enfin “this is not about endurance” (ceci n’est pas à propos d’endurance). Tout en les citant, et donc en les reconnaissant, il dénie les premiers sujets qui passent par la tête du spectateur. Il évacue l’évidence et complexifie l’intention.

Soudainement, le danseur baisse la tête, se tait tandis que la voix enregistrée continue à répéter “this is not about endurance”. Puis il reprend la parole comme si rien ne venait d’arriver. De nouveau, brusquement, il plie les deux bras devant lui pour mettre les mains devant son visage tout en scandant très vite “garder le cap“. Ces micro-coupures dans un rythme de répétition instillent le doute sur la maîtrise physique et psychique de l’artiste. Elles induisent la question des limites.

Daniel Linehan s’en prend également à la respiration, en prononçant “this is not about everything” en inspirant. L’impression d’essoufflement est immédiate. Puis, il “dialogue” avec la voix enregistrée comme pour instituer une partie de question-réponse avec lui-même. Il poursuit ainsi son exploration autour du même et expérimente différentes pistes qu’offre le corps posé un cadre contraint préalablement fixé. La notion d’expérience et d’engagement performatif semble primée sur toute volonté d’exprimer un propos univoque.

Il rajoute ensuite le mot “dance” à “this”, ce qui replace le propos dans l’ici et maintenant. Et il s’agit bel et bien d’une danse. Daniel Linehan répète “this danse is not about everything” tout en relevant les bras au-dessus de sa tête, serrant les points et les lançant en l’air comme dans une manifestation pour revendiquer une cause, crier un slogan. De cette action découle la phrase “this danse is not about something I don’t know” (cette danse n’est pas à propos de quelque chose que je ne sais pas). Petit à petit, Daniel Linehan quitte donc l’indéfinition première pour emmener le spectateur au cœur de sa danse et de son sujet.

Dans cette première partie qui dure une dizaine de minutes, Daniel Linehan explore la relation entre les mots, le son, le sens et les mouvements. Il travaille par strate et par juxtaposition. Le son participe du mouvement. Le texte est langage rythmique. La voix, doublement présente, donne une musicalité à la rotation. Un souffle lancinant. Dans l’obstination de la rotation, de nombreuses micro-ruptures interviennent, sans transition. Rien ne peut se figer. Du sens est donné fugacement, mais tout le temps remis en cause, balayé par une autre signification, à son tour effacée dans la révolution. Les phrases s’assemblent difficilement en un texte signifiant. L’énoncé énigmatique, le tour continuel, les variations permanentes et la voix redondante s’accordent pour créer un mystère hypnotique. Tant au niveau de la forme que du contenu. Daniel Linehan précise pourtant minutieusement ses intentions tout en alimentant le suspens. Et s’amuse des sensations opposées qu’il produit : est-ce folie, abandon, maîtrise technique, expérience sensible, enjeu conceptuel ? Le spectateur ressent et perçoit, sans vraiment comprendre. Il est envahi par le vertige.

b) 2ème partie : un texte pour rapprocher (8 min)

Au bout des dix premières minutes, une sirène policière retentit. Le danseur accélère dans un tourbillon. Il semble devenir à la fois la proie et le gyrophare ! La folie guette. Lorsque subitement : ralentissement brutal des pieds. La marche succède sans transition à la course. Silence. Réajustement de la veste, au col, aux poignets. Comme si le danseur venait d’être ramené à la réalité par une intrusion extérieure. Il semble retrouver toute la maîtrise de ces actions.

Engagé dans une rotation paisible, Daniel Linehan sort alors une petite bouteille d’eau de la poche de son gilet, l’ouvre, la boit tranquillement, simplement. Il se ressource, reprend des forces. Daniel Linehan n’est donc pas qu’un performer qui vient de fournir un effort intense. Il se désacralise en montrant qu’il est une personne comme les autres, qu’il a les mêmes besoins que tout un chacun. Le calme qui se dégage de l’accomplissement de cette tâche semble marquer une pause dans l’agitation qui fait rage depuis le début. Cette action de boire marque ainsi le début de l'”humanisation” de l’artiste. Il s’est révélé danseur virtuose dans la première séquence, il s’annonce individu pensant dans cette deuxième partie.

Changement de rythme dans les pas, plus serrés, plus courts. La vitesse s’accroît mais demeure sereine. Daniel Linehan sort un papier de la poche de son pantalon. Il le déplie, le tient des deux mains et le ramène près de son visage. Il commence à le lire, doucement, pas trop fort, comme s’il le déchiffrait pour lui-même. La voix enregistrée a disparu, seule la voix de l’artiste résonne sur le plateau. Il débute sa lecture en donnant une date, 2007 (année la création de la pièce), puis énonce dear. Il s’agit donc d’un courrier adressé mais dont le destinataire reste inconnu au public. De cette manière, il s’adresse à tous. Et propose une confidence, un partage d’intimité. Un rapprochement s’effectue entre le spectateur et l’artiste. Celui-ci se livre. Il raconte à la première personne du singulier, ses intentions, ses doutes, ses états d’âme. En tant que danseur, créateur, être humain, citoyen. En toute transparence et avec authenticité, il évoque ses recherches artistiques, mais également existentielles. Il avoue sa vanité orgueilleuse et se questionne sur le sens de la création. Pour lui-même et pour les autres. Il donne accès à ses pensées les plus intimes. Plus il avance dans la lettre, plus il parle fort, comme s’il affirmait haut et fort qui il est et ce qu’il fait. Plus il reconnaît ces contradictions internes, plus il se sonde sur lui-même, plus il dépasse la simple analyse personnelle pour atteindre une certaine “universalité”. Il interroge le rôle de l’art et la place de l’artiste dans la société, revient sur son utilité, sa légitimité, la notion d’engagement.

En partant de lui-même, en faisant part de ces doutes existentiels en tant qu’humain et en tant qu’artiste, il partage un processus connu de tous : l’introspection. Le spectateur s’identifie et entre en “communion”.

Au milieu de sa lecture, Daniel Linehan provoque encore davantage ce sentiment en proposant de faire don d’une partie de son cachet de la soirée à une organisation humanitaire. Il sort de la poche de sa veste un carnet de chèque, un stylo et une enveloppe. Il remplit le chèque, écrit l’adresse sur l’enveloppe, la ferme et demande au public si une personne veut bien venir la récupérer et la poster après la représentation. Un membre du public se lève, s’approche du danseur qui continue toujours de tourner. Le spectateur attrape le courrier au vol. Daniel Linehan remercie puis repart dans sa course sur lui-même en poursuivant la lecture du courrier. Il continue d’examiner sa conscience, de s’interroger sur le sens des actions, sur la morale associée aux actes, sur lui, sur l’art… Il clôt la lettre par un “I dont know” (je ne sais pas), ouvert sur tous les possibles.

L’action du don dans l’action de la confidence, créé un contact direct, à la fois physique et mental, entre le spectateur et l’artiste. Ce procédé termine dès lors de rapprocher l’artiste du spectateur, pris dans sa singularité et dans la communauté éphémère ici fondée.

Dans cette deuxième partie, Daniel Linehan se présente dans son humanité et son quotidien. Par les gestes qu’il effectue (des tâches primaires : boire, lire, parler, écrire) mais aussi par la teneur du courrier qu’il donne à entendre (partager, se confier, s’interroger, se remettre en cause, donner…). Ces tâches suspendant quelques instants le vertige suscité par le tournoiement depuis le début de la pièce. Le spectateur y reconnaît des pratiques familières, des sentiments intimes et retrouve ainsi des repères. Il en oublie presque que Daniel Linehan continue de tourner. À ce stade, l’artiste n’est plus seulement le danseur virtuose au centre du monde, il est également un créateur et un citoyen que se cherche, doute, désire, agit. Après avoir provoqué une empathie physique par le mouvement, il produit une empathie émotionnelle. Chaque spectateur, en prise avec son propre cheminement intérieur, se reconnaît dans la quête de l’auteur mise à nu.

c) 3ème partie : un texte pour ouvrir (11 min.)

Débarrassé du courrier, jeté négligemment hors de l’espace scénique, Daniel Linehan reprend la figure initiale de sa rotation, bras levés à l’horizontal à hauteur des épaules. La bande-son réapparaît avec la voix enregistrée. Il reprend “this is not about” mais au lieu de prononcer le désormais attendu “everything”, il ferme la bouche pour un grand “mmmmm”. Il enlève son gilet et reste en tee-shirt blanc. Il reprend tout en rétrécissant encore son champ lexical, comme si ces mots étaient avalés. La phrase se dissout dans une onomatopée “mmmmmmmmmm” puis “thissSSSSSssssSSSssss”. Après la lecture de la lettre, structurée, pensée, stylée, ce changement de statut du langage étonne. Est-ce une manière de se censurer suite à sa confidence ? Ou d’affirmer que les mots ne sont plus utiles ? Au contraire, est-ce que cela signifie qu’il cherche de nouveaux mots pour aller plus loin et annoncer ce qui se cache derrière le “everything” ? Est-ce la fin de l’énonciation ou la libération de la parole ?

Pour alimenter le doute, Daniel Linehan enchaîne par une litanie de mots. C’est incompréhensible. L’artiste semble quitter le texte et le sens des mots pour se réfugier dans une zone qui n’appartient qu’à lui seul. Comme si, en se révélant dans son humanité il en avait perdu le fil, le contrôle. Jusqu’à ce que, tout d’un coup, il se reconnecte au présent et se frappant la poitrine, déclare “do you know who I am ?” (est-ce que tu sais qui je suis). Puis “I am” (je suis) puis enfin une succession de “I” (je). L’artiste interpelle le public tout en se repositionnant au cœur de l’action pour mieux relancer la donne. En effet, le texte de la lettre avait permis de rappeler une humanité partagée : tous les êtres humains se ressemblent et se posent les mêmes questions. Mais en convoquant la question du “qui je suis”, Daniel Linehan réaffirme sa singularité et de ce fait, celle de chacun.

Il énumère ensuite par la négative, tout ce dont la pièce n’est pas l’objet. Par exemple : ceci n’est pas à propos de… l’Irak, la cupidité collective, le Sida, les forêts tropicales, la jeunesse éternelle, la peur de la mort, Barak Obama, Derrida, le langage, la forme, l’énergie, le pouvoir, la provocation, l’absence d’espoir, les souffrances, les connaissances, la transcendance, le sexe, le vide, les désirs, les mots, le bien, le mal, l’ennui, les croyances, mais aussi de lui, de nous…. Par cette liste incroyable, il inventorie une série de sujets imaginables susceptibles de faire l’objet d’une pièce. Et en les désignant par la négative, il induit la thématique chez le spectateur qui regarde ce mouvement giratoire avec des angles différents. De nouveau, les perceptions changent, zappent à chaque phrase. En utilisant ce procédé, Daniel Linehan ne donne aucune réponse mais laisse ouvert le champ perceptif. Chaque spectateur choisit finalement ce qui lui parle. Ainsi, il les remet en relation au monde, à ce qui se passe à l’extérieur du théâtre. Et fait le lien avec l’acte créatif.

L’artiste quitte l’énumération par défaut en basculant vers l’affirmative : “this is not about me” (ceci n’est pas à propos de moi) ; “this is not about you” (ceci n’est pas à propos de vous) ; “this is me” (c’est moi) ; “this is you” (c’est vous), “this is this” (ceci est ceci) ; “this is yes” (ceci est oui) ; “you are free of this dance (vous êtes libre de cette danse). Le rythme est haletant, Daniel Linehan semble au bord de l’essoufflement. Il enlève son pantalon ; et n’énonce plus que le terme “tourner”, encore et encore. Ces derniers mots renvoient à l’action effectuée depuis le début. Comme pour signifier, au bout du compte, que ceci n’est rien de plus que ce qui est donné à voir : un Readymade chorégraphique.

Soudainement, la voix enregistrée se tait avec l’artiste et la bande sonore réapparaît. Il s’agit d’un bruit de route, de circulation automobile. Daniel Linehan continue de tourner, se touche le torse, la tête, le visage, le sexe. Il écarte les bras et ouvre grand la bouche en tirant la langue sans sortir de son. Tel un cri, une grimace. Il réaccélère une dernière fois et sans crier gare, stoppe net.

Dans cette dernière partie, Daniel Linehan finit d’ouvrir sa pièce. Il ne donne pas de réponse et laisse chacun interpréter ce qu’il reçoit : au niveau du propos, au niveau formel, au niveau conceptuel. Chacun est libre de se raconter sa propre histoire !

d) épilogue : une renaissance (3 min.)

Après plus de 30 minutes de tournoiement, Daniel Linehan s’arrête soudainement, ce qui ne manque pas d’impressionner. Il demeure quelques instants immobile, debout, impassible. Rien sur son visage ou dans son corps ne traduit qu’il vient de passer une demi-heure dans un flux rotatif. Tranquillement, il marche devant lui, fait quelques pas et rejoint un cercle de lumière de même taille qui vient de s’allumer à quelques mètres du premier. Dans des gestes très maîtrisés, il s’accroupit, pose une main à terre, se met à genou, se relève en partie, s’abaisse de nouveau effectuant un quart de tour, se frotte à terre, passe sur le dos, genoux pliés, pieds au sol, se relève, tourne encore un peu, s’accroupit, un genou au sol suivi des bras, embrasse le plateau, se relève, effectue un nouveau tour, se ré-accroupi genoux croisés, recommence. Il effectue cet enchaînement, lentement, avec précision et concentration.

Il conclut debout, bien droit, dans la même position qu’il avait avant de commencer à tourner. Le plateau résonne de nouveau du son de circulation. Daniel Linehan demeure sans bouger, plusieurs secondes. La bande-son s’arrête. Le danseur fait le signe que c’est fini avec un petit mouvement de la main et salue.

Dans cet épilogue, Daniel Linehan quitte pour la première fois sa piste. Il se décale et explore lentement d’autres espaces. Il retrouve le sol, les diagonales, des axes différents. Il conserve un mouvement circulaire mais d’une tout autre nature. Il semble renaître à la danse, paisiblement.

Conclusion

Sans user des subterfuges théâtraux tout en recourant aux outils mis à disposition (simplicité de la lumière, du décor, du son, du costume), le solo Not About Everything surprend par sa capacité à jouer des contradictions. Il offre une synthèse entre l’exploration d’un concept formel et l’expression sensible d’un individu. Daniel Linehan se positionne clairement dans son statut de personne, de danseur et de chorégraphe. Il expose les différentes facettes qui le composent et ne cache pas les paradoxes qui l’habitent. Corporellement, il s’engage pleinement et avec détermination pour affirmer, à 25 ans, les principes chorégraphiques qui sous-tendent sa démarche.

Tout d’abord, il propose un corps global, perçu dans son intégralité : un corps physique, mouvant, endurant, sensible, pensant, parlant, respirant, ressentant, performant, aliénant. Le corps est travaillé dans toute sa perplexité, poussé dans ses limites, éprouvé dans ses capacités. L’enjeu est de questionner les multiples dimensions de ce corps et de sa corporéité. Dans Not About Everything, Daniel Linehan s’appuie sur l’exploration du lien texte, voix, mouvement pour entrer dans la recherche. Le recours à des thématiques exploratoires se retrouvera dans les pièces qui suivront. Il choisira par exemple photographie et mouvement dans Montage for Three (2009) ou musique et mouvement dans Zombie Aporia (2011). Dans chacune de ses performances, un aspect différent du corps est donc approfondi. Mais le corps reste l’angle par lequel il aborde ces différents concepts.

Ensuite, en terme de composition chorégraphique, Daniel Linehan met en place dans Not About Everything une écriture partionnelle complexe pour proposer au spectateur une expérience sensible. Il ne s’intéresse pas à créer un vocabulaire gestuel qui lui serait propre pour inventer un langage dansant mais pose un cadre précis et référant dans lequel il peut développer sa recherche sur un corps pensé dans sa totalité. La structure spatio-temporelle est dès lors conçue comme un dispositif où peut se déployer l’action et susciter l’expérience. En son sein, le chorégraphe expérimente des systèmes formels comme la répétition, le changement, la variation, les écarts, la juxtaposition, les ruptures, le séquençage, les listes, l’apparition du sens (des mots, des gestes, des expressions). Ces mêmes principes se retrouvent dans les autres pièces de l’artiste. Aussi, le travail de Daniel Linehan est lié davantage par des éléments structurels chorégraphiques communs et d’après une définition ouverte de ce que constitue le corps/l’organisme, que par un lexique de mouvements dansés semblables.

Enfin, si l’artiste s’intéresse au corps dans son intégralité ainsi qu’aux questions formelles d’écriture chorégraphique, abstraites et conceptuelles, hyperspécialisées et référencées, il présente aussi un fort désir de se confronter aux questions soulevées par le monde contemporain. Car la danse n’est pas hors sol et sans lien avec son époque. Ni l’artiste déconnecté des réalités quotidiennes ou des enjeux politiques. Cette tentative de concilier dans un même élan ces deux champs de recherche est flagrante dans Not About Everything et se retrouve également dans Montage for Three. Cette démarche aboutit à des pièces sophistiquées derrière l’apparente simplicité, proposant plusieurs niveaux de lectures et de réceptions.

En posant dans Not About Everything ses différents axes de recherches et en répondant librement aux trois questions fondamentales de tout créateur (pourquoi je crée, qu’est-ce que je crée et comment je crée), Daniel Linehan signe définitivement avec ce solo un Manifeste artistique riche de promesses.


[1]  Ecole créée et dirigée par Anne Teresa de Keersmaeker : http://www.parts.be/fr

[2]  Analyse réalisée à partir d’un support vidéo : une captation de la pièce filmée par la compagnie lors de la représentation au Théâtre de la Bastille, à Paris, en février 2010. A noter également que j’ai eu l’opportunité de voir la pièce à deux reprises : la première fois au Théâtre de la Bastille en février 2010, puis à Château-Thierry lors du Festival C’est comme ça ! en octobre 2010.

[3]  Cf. La danse en solo, une figure singulière de la modernité, ouvrage collectif sous la direction de Claire Roussier, aux éditions du CND, 2002.

[4]  Quotidiens, magazines, romans, essais…

[5]  Lors des deux captations à ma disposition, ce ne sont pas les mêmes.

[6]  Selon le Dictionnaire de la danse sous la direction de Philippe Le Moal, les termes “Pirouette” ou “Pirouetter” désigne un “tour complet du corps en appui sur une seule jambe. Il existe une grande variété de pirouettes dénommées d’après la position de la jambe libre (…) Très tôt, le mot pirouette désigne un ou plusieurs tours vigoureux de la danse théâtrale. (…) Utilisée par tous les chorégraphes avec des valeurs esthétiques différentes,la pirouette est un des pas fondamentaux de la danse classique.” (p 783), éditions Larousse, 2008.

[7]  Histoire de gestes, ouvrage collectif sous la direction de Marie Glon et d’Isabelle Launay, dans l’article “tourner” de Sophie Jacotot p 129-143, Acte Sud, 2012.

[8]  Quelques exemples : Mary Wigman dans Monotonie, Brice Leroux dans Gravitations, Rachid Ouramdane dans Témoins ordinaires

[9]  Daniel Linehan ne possède pas la technique des derviches tourneurs et ne cherchent pas à calquer leurs gestes. En conséquence, à l’exception du tournoiement, les bras, les pieds, les variations de rythmes, l’utilisation de l’espace et les déplacements n’ont rien de comparables.

[10]  Histoire de gestes, ouvrage collectif sous la direction de Marie Glon et d’Isabelle Launay, dans l’article “tourner” de Sophie Jacotot p 129-143, éditions Acte Sud, 2012.

[11] Anna Halprin à l’origine de la performance, Jacqueline Caux, éditions du Panama en coédition avec le Musée d’art contemporain de Lyon, 2006.

“Etats de choc : bêtise et savoir au XXIème siècle” de Bernard Stiegler par Jennifer Bonn

Etats de choc : bêtise et savoir au XXIème siècle de Bernard Stiegler

Notes pour Lecture en partage (2012) par Jennifer Bonn

001167582

  • pourquoi ce livre

j’ai choisi ce livre parce qu’il me semblait important d’élargir notre champ de vision au-delà du seul domaine de l’art, pour prendre en compte une actualité qui est aujourd’hui en pleine mutation.  L’ère du numérique, sur lequel Stiegler fonde sa réflexion, est en train de bouleverser la quasi totalité des systèmes en place, qu’ils soient politiques, sociaux, économiques, éducatifs.  Les effets ou conséquences du numérique dépassent aujourd’hui largement l’univers informatique, et change profondément la façon dont nous vivons dans le monde.  La performance, capable de réagir vite, de produire des formes qui sont in situ non seulement dans l’espace mais aussi dans l’Histoire en train de se faire, a une relation particulièrement immédiate avec cette actualité.  Dans le domaine de l’art, ce n’est pas seulement les média ou les formes de diffusion qui sont concernés par ces changements.  Le rôle ainsi que le statut de l’artiste est remis en question face à un public devenu contributeur, voire créateur.

lors de la Lecture en partage, j’ai lu un extrait du livre, en précisant que je reviendrais sur certains termes utilisés qui auraient besoin d’être d’avantage éclairés. Le voici :

“Avec la forme hypermédia (dont HTTP et HTML – XML – sont le protocol et le langage) d’écriture électroniquement imprimée dans des mémoires de silicium en quoi consistent les nouveaux types d’hypomnénata, où les symboles circulent à la vitesse de la lumière sur les réseaux numériques, en passant par des circuits imprimés au niveau microélectronique (à l’échelle du millionième de mètre) qui mettent ainsi en oeuvre des processus d’écriture, d’édition, de diffusion et de lecture d’un genre radicalement nouveau, il se produit de toute évidence un mouvement comparable à ceux qui caractérisent ces grands moments de la grammatisation qui configurèrent en profondeur – et de façon gravement ignorée par la philosophie – le contenu de la modernité.

Ce ne sont pas seulement des données d’archives, de bibliothèques, de médiathèques et de centres de documentation en tout genre qui deviennent accessible à tous, par exemple par la numérisation de fonds par les grandes institutions publiques ou par des opérateurs privés : ce sont aussi et surtout des fonctions, qui furent durant plus d’un siècle exclusivement réservées non plus aux clercs, religieux ou laïcs, mais aux professionnels travaillant pour les industries de l’information (comme technologies informatiques et documentiques) et de la communication (comme technologies audiovisuelles) -fonctions qui, à l’époque des réseaux numériques, passent entre les mains des publics eux-mêmes.

Au sein de ces publics qui ne sont plus des audiences, passés du statut de masse de consommateurs à celui d’associations de contributeurs, émergent des figures d’amateurs au sens où Kant use de ce terme pour caractériser les Sociétés savantes issues de la République des lettres qui s’est formée à l’époque de Luther et Henri VIII – communautés d’amateurs en tout genre : artistique, encyclopédique, scientifique, médical, technologique, etc., et pratiquant non seulement les technologies dites collaboratives issues du Web 2.0, mais les équipements électroniques par lesquels tout un chacun peut accéder aux fonctions de captation, de postproduction, d’indexation et de diffusion des rétentions tertiaires ausiovisuelles, aussi bien qu’à des formes très avancées de la recherche, du traitement et de la diffusion numérique des données.”

Bernard Stiegler, Etats de choc : bêtise et savoir au XXIème siècle, pages 312-314 (éditions Mille et une nuits) 

quelques notions qu’il est important de mieux comprendre : hypomnémata, rétentions tertiaires : pour dire les choses assez simplement, les hypomnémata sont des supports de mémoire, et les rétentions tertiaires sont une mémoire extériorisée (hors notre cerveau).  La notion vient de Husserl, qui distinguait la perception comme rétention primaire, et le souvenir comme rétention secondaire.  Voici un texte (que je n’ai pas lu lors de la Lecture en partage) qui explique très bien ces trois types de rétentions :

“La rétention primaire, et sa distinction de la rétention secondaire, c’est ce que Husserl dégage d’une analyse phénoménologique de la mélodie. Dans le « maintenant » d’une mélodie, c’est à dire le moment présent d’un objet musical qui s’écoule, la note qui est présente ne peut être une note, et non seulement un son, que dans la mesure où elle retient en elle la note précédente, qui y demeure présente, note précédente encore présente qui retient en elle à son tour celle qui la précède, etc. Et il ne faut pas confondre cette rétention primaire, qui appartient au présent de la perception, avec la rétention secondaire, qui est la mélodie que j’ai pu par exemple entendre hier, que je peux réentendre en imagination par le jeu du souvenir, et qui constitue le passé de ma conscience. Il ne faut pas confondre, dit Husserl, perception (rétention primaire) et imagination (rétention secondaire). Mais il existe une troisième sorte de rétention, et elle est hypomnésique : ainsi, avant l’invention du phonographe, il était absolument impossible d’entendre deux fois de suite la même mélodie. Or, depuis l’apparition du phonogramme, qui est un cas de rétention tertiaire, et un stade de la grammatisation, c’est à dire une époque du supplément, la répétition à l’identique d’un même objet temporel est devenue possible, ce qui permet d’ailleurs de mieux comprendre les processus rétentionnels.” (cette définition vient de http://jeancletmartin.blog.fr/2007/11/13/bernard_stiegler~3290458/)

pharmakon : un pharmakon est une chose qui peut être soit poison, soit remède, suivant l’utilisation qui en est faite.  Voici un extrait de définition : “En Grèce ancienne, le terme de pharmakon désigne à la fois le remède, le poison, et le bouc-émissaireTout objet technique est pharmacologique : il est à la fois poison et remède. Le pharmakon est à la fois ce qui permet de prendre soin et ce dont il faut prendre soin, au sens où il faut y faire attentioni : c’est une puissance curative dans la mesure et la démesure où c’est une puissance destructrice. Cet à la fois est ce qui caractérise la pharmacologie qui tente d’appréhender par le même geste le danger et ce qui sauve. Toute technique est originairement et irréductiblement ambivalente : l’écriture alphabétique, par exemple, a pu et peut encore être aussi bien un instrument d’émancipation que d’aliénation. Si, pour prendre un autre exemple, le web peut être dit pharmacologique, c’est parce qu’il est à la fois un dispositif technologique associé permettant la participationi et un système industriel dépossédant les internautes de leurs données pour les soumettre à un marketing omniprésent et individuellement tracé et ciblé par les technologies du user profiling.” (http://www.arsindustrialis.org/pharmakon)

  • quelques phénomènes emblématiques de la révolution numérique : les phénomènes générés par le numériques dépassent aujourd’hui largement les ordinateurs.

Les nouvelles façons de concevoir, percevoir, et comprendre le monde découlent du numérique mais elles sont aujourd’hui réintégrées dans le monde “hors-ligne”.

la déshiérarchisation : la structure pyramidale typique de notre société globale, que ce soit sous forme de chef-employé, professeur-élève, ou maître-esclave (pour ne donner que quelques exemples), est en train d’être horizontalisée, pour donner naissance à des réseaux d’échanges de savoir et de collaboration collective.

l’open source : l’open-source, qui a commencé dans la programmation de logiciels libres, est basé sur la collaboration gratuite pour produire un outil commun, partageable, et modifiable gratuitement.  L’open-source a donné lieu au GPL (General Public Licence), copyleft construit sur la conviction que l’information doit être gratuit, qui a ensuite donner naissance à Creative commons, qui étend ce copyleft aux domaines de la création et de la fabrication.  Pour en savoir plus, un vidéo téléchargeable gratuitement : http://ripremix.com/

le do-it-yourself : le faire-soi-même sort de l’amateurisme, ou plutôt valorise l’amateurisme, c’est-à-dire, n’importe qui, avec un peu de volonté, peut apprendre à faire n’importe quoi, grâce aux informations aujourd’hui disponibles sur le net.  Cela passe à la fois par la numérisation d’énormément de textes sur des techniques en tout genre, et aussi par les blogs et les forums dédiés à toutes les activités possibles et imaginables, où les internautes peuvent poser des questions, donner des réponses, partager leurs expériences et conseiller leurs pairs.  L’échange de savoir qui permet le do-it-yourself devient d’autant plus concret aujourd’hui grâce aux Fab-labs qui rassemblent savoir et outils, comme vous pouvez le constater dans cet exemple vidéo : https://www.dailymotion.com/video/xjgvc2_fab-lab-squared_tech

et pour approfondir (malheureusement seulement en anglais, sorry!) : http://www.ted.com/talks/neil_gershenfeld_on_fab_labs.html (d’ailleurs ce site, TED, est une mine d’or pour apprendre sur la révolution numérique)

  • revenons à l’art

peu de choses ne sont pas affectées par ces changements, l’art l’est profondément.

Cet impact est à la fois direct et indirect :

indirect sur une partie de la nourriture de l’art : l’art puise dans l’actualité, et les profonds changements de notre réalité politique, économique, et sociale affectent l’art qui est produit en réaction à ou comme reflet de cette actualité.

L’impact direct est plus troublant, et porte sur le statut et le rôle de l’artiste dans la société, ainsi que sur son fonctionnement : création, financement, diffusion, distribution, communication, supports.

Les actions citoyennes se multiplient, s’organisent sur le net, se déroulent, se filment et s’uploadent sur Youtube, créant des actes et des objets qui ne diffèrent guère de nos performances ou nos oeuvres, si ce n’est que ces personnes ne se considèrent pas comme des artistes.  Que penser de ces 200 couples gays qui s’embrassent devant le passage du pape-mobile : https://www.youtube.com/watch?v=PBklHrgSwuY

ou de ce dispositif d’amplification purement fonctionnel mais fortement artistique lors d’Occupy Wall Street : https://www.youtube.com/watch?v=RsHNxUIrBMQ

Cela ne veut évidemment pas dire que les artistes sont voués à la disparition (ou à l’absorption par les masses), mais la participation croissante du public dans la production d’actes et d’objets qui pourraient être considérés comme étant artistiques questionne la relation que nous avons, en tant qu’artistes, à notre pratique, ainsi que celle que nous avons avec notre public.

Là où les artistes (ainsi que les philosophes et le corps enseignant) ont, de mon point de vue, un rôle important à jouer, c’est dans le développement d’un esprit critique face aux flux d’informations dans lesquels nous nageons en permanence, et face aux actes et objets qui foisonnent.  L’artiste est un passeur qui impulse le changement, la réflexion, la sensibilisation dans le sens de rendre sensible, d’éveiller une sensibilité, ce qui contribue à saisir et à utiliser intelligemment les outils que l’ère numérique propose, plutôt que d’être manipulé par ces mêmes outils dans les mains du pouvoir en place.

  • mon travail

je travaille avec, entre autres, un collectif qui s’appelle kom.post, et qui questionne les nouvelles modalités de réception chez le spectateur.  Nous créons des dispositifs artistiques divers et variés pour instaurer débat et dialogue entre institutions, artistes, et publics, et cela dans l’horizontalité, dans l’échange des savoirs.  Nous travaillons autant avec les arts vivants qu’avec les arts plastiques (festivals de danse, d’art numérique, de nouvelles technologies, centres d’art, écoles, etc), et créons toujours in situ, en inventant des nouvelles formes ou en adaptant nos formes récurrentes au contexte de la manifestation.

nous réfléchissons aux conséquences des nouvelles technologies en ce qui concerne notre être-dans-le-monde, et bien que nous utilisons parfois ces technologies, nous disons souvent que nous sommes “le plus low-tech du high-tech”, dans le sens où nous ne sommes pas des “digital artists” ni des informaticiens.

j’aimerais bien vous donner l’adresse de notre site web, mais il se trouve que le pharmakon puissant qu’est le hacking nous a pris pour cible : notre site à été hacké par un robot russe qui a inséré de façon aléatoire des lignes de code dans tout le codage des nos pages internet, rendant le code inexécutable et les pages inaffichables…  je vous tiens au courant de sa reconstruction.

  • pour mieux connaître Stiegler

Stiegler a une école de philosophie en ligne que vous pouvez trouver ici :
http://pharmakon.fr/wordpress/
ainsi qu’une association internationale pour une politique industrielle des technologies de l’esprit, nommée Ars Industrialis :
http://www.arsindustrialis.org/
il a fondé l’Institut de recherche et d’innovation sur le principe que la meilleure façon de comprendre et d’utiliser intelligemment les outils numériques c’est de les développer :
http://www.iri.centrepompidou.fr/
vous trouverez de nombreux textes et vidéos sur ces sites qui sont d’excellente qualité.

“Untitled (Arena)” de Félix Gonzalez-Torres

Perceptions/Analyse de Untitled (Arena) de Félix Gonzalez-Torres

par Ximena WALLERSTEIN.

“Interpréter Untitled (Arena) de Félix Gonzalez-Torres – Une analyse chorégraphique”

Untitled (Arena) de Félix Gonzalez-Torres est présentée dans l’exposition Danser sa vie au Centre Georges Pompidou dans un coin de la dernière salle. Une grande guirlande d’ampoule disposée au plafond délimite un espace carré. La guirlande est plus grande que l’espace suggéré au sol et les ampoules restantes coulent le long du mur. À côté, deux écouteurs sans fils sont disposés et un texte accompagne le cartel de la pièce : « Le public est invité à utiliser les casques sans fil, pour danser en couple sous la guirlande lumineuse de Félix Gonzalez- Torres. Merci de remettre les casques à leur emplacement initial ». 1

Venue seule à l’exposition, je prends un casque et j’écoute : La Valse N°2 de Chostakovitch. Je souris et au delà, je suis amusée et emportée par le flux d’images qui me traversent en un instant : les bals populaires ou bourgeois auxquels je n’ai jamais assisté, la sensation des bras du parfait danseur qui me conduit dans tourbillon vaporeux, sur un mouvement d’une légèreté inconnue que je n’ai jamais exécuté, … bref un souffle de rêves de princesse ressurgi sans complexe de mon enfance. Un paquet cadeau, vite défait par un rire sonore et par le regard d’autres spectateurs de l’exposition, à nouveau présents dans ma conscience. Je prends leur place en reposant les écouteurs. Cette fois c’est ma curiosité qui s’éveille : je discute avec le gardien de la salle, l’interroge sur les comportements du public et je décide de revenir passer quelques heures pour voir, pour écrire, pour filmer …

De ce rendez-vous tacite, donné par l’installation de Félix Gonzalez-Torres, j’extrais des moments pour faire une analyse chorégraphique de quatre interprétations différentes de Unititled (Arena). Il s’agit donc d’une double interprétation : celle des danseurs qui s’approprient par des gestes, des attitudes, des postures la dynamique musicale et l’espace de l’installation et celle de mon regard analytique qui vise à transcrire des perceptions, des émotions, des idées par des mots.

  • 1ère interprétation.

Je me laisse séduire par ma propre interprétation purement mentale de la pièce :
Pour cette occasion particulière, j’ai une maîtrise extraordinaire de la valse. Faisant preuve d’une parfaite fusion au rythme ternaire dans un balancé éthéré, je danse avec un partenaire idyllique : guide certain des pas et des directions, soutien ferme, axe central et force centrifuge. Les conditions sont exceptionnelles : décors changeant à ma guise à partir du salon viennois du XVIIIe siècle, jusqu’à un fond en dégradé sombre légèrement flouté avec poursuite tamisée. Paysages improbables et inutiles parce que dans ma vision imaginaire, l’ensemble défile et m‘entoure des lignes colorées horizontales. C’est un espace parfaitement isolant, cadré sur un lieu hors du monde, un univers abstrait. Mon parfait partenaire n’a pas de visage. Je n’ai aucune sensation de vertige, l’abandon est rassurant. Je profite de la jouissance de la sensation pure, n’étant pas obligée d’être le spectateur d’une scène aussi mièvre. Je laisse de côté tout jugement, et me laisse baigner par des codes sociaux inscrits dans l’installation : couple enlacé tournant sur lui même, espace de rencontre amoureuse, romantisme délirant… Plus tard, je prends le temps d’observer les qualités de ma danse. De cette exécution imaginaire, tous mes souvenirs, visuels et kinesthésiques, n’ont aucun lien avec l’espace réel, celui du musée. Il me semble qu’aucun mouvement n’a été extériorisé. Je suis incapable de me rappeler ma position ou si mes yeux étaient ouverts ou fermés. Par contre la mémoire des mouvements imaginés, de la visualisation de la scène et des sensations physiques est limpide. Est-ce que le souvenir appartient réellement à mon premier vécu de l’installation, ou s’agit-il d’une idéalisation a postériori ? Suis-je incapable de me remémorer le réel et libre en revanche d’imaginer à nouveau et de donner, sans vergogne, à cette image le statut du souvenir ? … Possible… Je remarque, néanmoins la forte sensation de légèreté, le soutien dans le dos, la brise sur la peau du visage, un picotement sur la paume des mains, l’absence d’effort physique. Je vois l’espace défiler, une vision connue qui est propre au nystagmus, main cette fois elle ne s’accompagne d’aucune perte d’équilibre, d’aucune sensation de vertige. De cette expérience ressort un état de bien-être, de stabilité mobile, de sérénité volante, de puissance dans l’abandon qui cristallise la fusion d’un état affectif et d’un état physique.

En tant qu’interprète et non spectateur, je base mon analyse sur les seules sensations kinesthésiques, d’autant que la distance entre ce que l’interprète (moi) ici ressent lors de « l’exécution » et l’expérience faite par le spectateur (moi) paraît infranchissable parce qu’inexistante. Cette danse imaginée, ressentie donc vécue, est a priori non perceptible par d’autres. Mais, la posture, la présence du corps affecté que laissent-elles transparaître ? L’interrogation pourrait se transposer ainsi : quel est le statut des perceptions et des sensations intimes du danseur lors de l’exécution ? Qu’en en est-il des écarts et des convergences avec celles ressenties par les spectateurs ?

Par ailleurs, il est possible dans Untitled (Arena) de perdre complètement les repères de l’espace réel, muséal pour baigner un temps dans un espace imaginaire, « auratique », intime. Mais à la différence du cinéma ou d’un roman, par exemple, le spectateur est ici aussi en spectacle. Il vit une expérience intime avec un public. Il est à tour de rôle regardeur et regardé. Cette interprétation de Untitled (Arena), cette danse intérieure, danse en soi, provoque (dans mon cas) une curiosité d’autrui, une envie de regarder l’autre, une envie de rencontre par l’œuvre, dans l’œuvre.

  • 2ème interprétation.

Un jeune homme.
Il danse seul, paraît nous ignorer tous mais à la fin il pose les écouteurs et me regarde. Je lui dis : « génial !» et lui : « c’est vrai ? Je ne danse jamais ». Il reprend les écouteurs, recommence une autre improvisation, je le filme 2.
Dans la vidéo, je vois que l’autre écouteur est pris par une dame qui lui tourne le dos. Elle regard le mur et se balance doucement sur place encombrée par son manteau et son sac. Lui, habillé confortablement, ne porte rien. Il esquisse quelques pas, un croisement des pieds, un petit chassé timide, les bras le long du corps, le regard bas, puis il s’arrête, marche, pose la main sur l’oreillette, comme pour mieux syntoniser. Il recommence timidement, pas chassé, pas croisé. Sur un léger relevé plié, une suspension produit un effet circulatoire du sol jusqu’aux clavicules, puis aux bras. Le corps se cambre, le plexus se déplie et les mains dégagent l’air qui s’ouvre. Les bras lui ont donné cette densité. Venant du sol, sa danse circule, anime les jambes, comme des amortisseurs, elle génère une fluidité qui parfois traverse le torse jusqu’aux mains et d’autres fois semble dialoguer avec les épaules. Comme des ressorts dans un liquide de densité inégale, le corps tourne pour prendre peu à peu tout l’espace circonscrit par les ampoules. Parfois, discret sur ses demi-pliés, il se déplace en tournant et en glissant. D’autres fois, les bras se déplient dans des mouvements asymétriques, circulaires et larges mais toujours habités par une densité fluide et éthérée. A un moment donné, un saut explose, et à nouveau les tours redeviennent délicats. Rythmée par des accélérations et des ralentis, sa danse s’étale.
Plus personne ne traverse l’espace, l’installation est à lui et nous sommes tous à le regarder, lui qui paraît nous ignorer. La dame le regarde maintenant. Avec ses écouteurs elle est un spectateur privilégié qui écoute avec lui la musique, mais dans un coin de la « scène », elle est aussi un figurant. Leur couple est impossible, la consigne du cartel 1(inventée pour cette exposition) est ignorée. Lui est un soliste dans l’arène. Quant à moi, ne pas entendre la valse me rend plus sensible à sa danse qui ne correspond pas à ses codes mais qui s’y accorde avec justesse. Je connais cette musique, et pourtant je ne fais pas l’effort de l’assembler à la danse que je vois, qui elle se plaît au brouhaha du musée.
Coupe. La vidéo s’arrête. Je n’ai pas la fin de la danse. J’imagine qu’elle continue à l’infini.

  • 3ème interprétation.

Un garçon de huit ou neuf ans a un casque, Jérôme Bel l’autre. Ils sont face à face. L’adulte fait passer son poids d’une jambe sur l’autre. L’enfant le copie et apprend la danse. La danse telle qu’elle est censée se danser : un balancé horizontal. Un déplacement du poids sur un rythme ternaire. L’enfant prend le rythme aussi avec ses mains, comme un chef d’orchestre, complexifie le rythme en le découpant en contre temps, plie ses jambes davantage, accroit ses balancés jusqu’aux pointes des pieds. L’adulte passe les écouteurs à une petite fille qui regardait et attendait à côté. Instantanément, le garçon arrête le mouvement appris et entame une véritable interprétation de valse verticale. Il ne fait plus passer son poids d’une jambe vers l’autre, mais il plie ses genoux puis monte sur la demi-pointe en marquant le rythme ternaire avec ses jambes tout en dessinant avec ses main la mélodie de La Valse N°2 de Chostakovitch.

  • 4ème interprétation.

Elle.
De là où je suis elle paraît grande, un grand sac en bandoulière et un gros manteau au bras, elle a les écouteurs aux oreilles et elle les tient dans ses mains. L’autre casque est resté sur son clou, au mur. Elle est seule à écouter. Elle pivote, de manière presque imperceptible une fois sur son axe. Puis, elle échange les écouteurs de côté. Elle croise ses bras. Solide sur ses jambes, elle prend doucement avec sa tête le rythme de la valse, comme si elle disait oui timidement. Elle fait deux pas, s’arrêt, reste immobile.
Je la vois de profil, je remarque sa prestance, sa présence.
D’un geste net elle tourne son visage vers moi, me regarde la regarder et me sourit. Elle se détourne, fait quelques pas en flânant dans l’espace, sous les ampoules. Le regard perdu vers un horizon invisible, elle s’arrête à nouveau.
Je me dis qu’elle est seule et belle.
Elle reste là immobile, puis sort son téléphone, le regarde un moment.
Je me dis, qu’elle attend quelqu’un, un amoureux sans doute. Elle me fait penser à Pénélope. Elle remet son téléphone dans son sac à main et me regarde à nouveau, cette fois froidement. Je me sens comme un témoin indiscret, je cache davantage ma camera qui la filme.
Elle reste un temps immobile puis recommence à flâner. Doucement elle s’approche du mur sur lequel repose l’autre écouteur.
Je me dis que son amoureux ne viendra pas. Je la vois de dos. Je pense à Gaspar David Friederich. Je ressens sa nostalgie, je pense qu’elle est mélancolique.
Elle soulève son pied droit, le glisse derrière son mollet et balance doucement le genou. Elle est très stable dans son équilibre. Puis elle pose le pied, se détourne doucement, pose les mains sur sa ceinture et reste immobile, le regard vers l’horizon invisible.
Je ne me dis plus rien.
Une autre dame prend le casque qui est au mur, elle pose le sien.
Elle s’approche de moi d’un pas ferme, je laisse tomber ma caméra pour encore mieux la cacher, j’ai peur.
Elle me sourit et me raconte : « c’est drôle, c’est la musique de mon mariage, c’était la première danse et après Prince, mon mari est aux USA ».

Ces interprétations descriptives mettent en lumière des observations, des idées, des questionnements. En assemblant deux espaces publics distincts (le bal et le musée), le dispositif de Felix Gonzalez-Torres révèle les codes sociaux inhérents de ces lieux et en même temps rend possible leur déplacement : le musée est en même temps un espace de vision et de création, la valse une danse de pouvoir et de liberté, l’œuvre un lieu de rencontre.

Notes : 

  1. Pour sa création en 1993 à la galerie Jennifer Fray à Paris, Félix Gonzalez-Torres dispose une grande guirlande d’ampoules au plafond délimitant un espace rectangulaire et associe deux walkmans diffusant une valse viennoise à la disposition du public. Aucun texte n’accompagne la pièce. Dans les instructions laissées par l’artiste pour l’accrochage de l’installation, le choix de la disposition des ampoules est laissé au conservateur ou au collectionneur.
  2. Trois vidéos jointes à ce document.

“Memento Mori” de Pascal Rambert et Yves Godin

Perceptions/Analyses de Memento Mori (2013) de Pascal Rambert et Yves Godin

par Massimo FUSCO.

Unknown

Memento Mori de Pascal Rambert et Yves Godin. Photo Marc Domage.2013

Torsion de l’espace-temps

Dimanche 24 février 2013 à 20h30 au théâtre Benoit XII / Avignon.

Analyser une œuvre et plus particulièrement sa nature chorégraphique. Lire les mouvements et les traduire en mots pour comprendre la démarche artistique.

Après avoir vécu une semaine hivernale(s) en Avignon, après avoir parcouru l’académisme d’un Marathon Bagouet     dansé par une nouvelle génération, après avoir éprouvé l’ennui pendant Le Syndrome d’Ulysse de Jonah Bokaer, après m’être lassé des clichés hommes/femmes de Masculines de Héla Fattoumi et Eric Lamoureux, après avoir rencontré un John drôle et fûté d’Ambra Senatore, après m’être heurté au lyrisme de Précipitations de Paco Decina, après avoir découvert la joyeuse frénésie d’Anatomia publica de Tomeo Vergés, après avoir assisté à la prestigieuse et modeste création From B to B de Angels Margarit et Thomas Hauert, j’ai choisi de porter mon attention sur Memento Mori, œuvre à caractère chorégraphique de Pascal Rambert et Yves Godin.

Pascal Rambert, né en 1962

Il alterne l’écriture et la mise en scène de ses propres pièces dès le début des années 80. Depuis 2007, il dirige le théâtre de Gennevilliers, Centre Dramatique National de création contemporaine. Eloigné de tout procédé narratif, il cherche à renouveler les moyens et les formes du spectacle en renonçant aux modes habituels d’écriture. Il conçoit des projets entre performance et installation, des propositions « blanches » où le spectateur « écrit » de l’intérieur. Attaché à l’idée de déplacement, de transversalité des arts, Memento Mori est sa quatrième pièce chorégraphique.

Yves Godin

Il collabore depuis le début des années 90 en tant que créateur lumière aux projets de nombreux chorégraphes, artistes visuels, plasticiens, musiciens et performeurs abordant ainsi un vaste champ d’expérimentation esthétique. Sa démarche porte sur une lumière non dépendante de la danse, de la musique ou du texte. Elle peut entrer en résonance avec les autres composantes de l’acte scénique en travaillant autour de la perception de l’espace et du temps et le tissage de liens en réseaux avec les autres natures de présence (corps, sons, pensée, temps).

Dans un extrait d’entretien avec Pascal Rambert datant d’octobre 2011, on pouvait lire : « j’essaye de reconstruire ce que je crois qui peut exister au fin fond de ce qui nous constitue en tant qu’être humain et je me dis : je suis, sûr qu’en toi, en moi, il y a des restes de ces mouvements-là, qu’ils sont encore en nous. De la nudité, de la lumière, de la danse, des restes de 30 000 ans en nous. C’est ça Memento Mori. ».

Une démarche réflexive et sensorielle sur ces restes du passé, l’histoire de l’humanité (pour ne pas dire du monde) ferait partie de nous. L’objectif est audacieux, et j’aime ça, se connecter aux origines du monde en 1 heure : quel programme !

L’expression latine du titre : memento mori est littéralement traduite par « souviens-toi que tu vas mourir » ; ce qui redouble l’implication personnelle de l’enjeu. Son énonciation rappelle la composante d’un genre pictural dramatique : la vanité.

La vanité signifie « souffle léger, vapeur éphémère ». Elle porte le message de méditer sur la nature passagère et vaine (d’où vanité) de la vie humaine, l’inutilité des plaisirs du monde face à la mort qui guette. A l’instant, je pressens une motivation à analyser l’oeuvre sous cet axe : qu’ y a t-il de commun, de différent entre les vanités picturales et ce Memento Mori ? Peut-on dire que cette performance est une vanité ?

Une expérience empirique, une torsion de l’espace-temps qui donne à voir une autre réalité.

Dimanche 24 février 2013 à 20h30 au théâtre Benoit XII / Avignon.

Assis parmi le public venu en nombre (re)découvrir le travail de Pascal Rambert ou/et Yves Godin, un homme prévient les personnes sensibles à la claustrophobie que cette pièce est constituée de longues plages d’obscurité totale et donne les instructions à suivre en cas de malaise.

Les lumières de la salle baissent progressivement d’intensité jusqu’au noir comme pour nous accompagner jusqu’à cet univers obscur.

Plongé dans un noir total, un vrai noir (sans la signalisation des sorties de secours), un silence empêche toute perception de la scène, mais pas de la salle. Je me concentre sur ce qui a changé. Je ne vois plus les personnes dans la salle mais j’entends leur souffle, je perçois leur respiration – surtout celle de L.B. – et à partir de cet instant une expérience empirique se met en place avec la participation de mes voisins spectateurs. Mes coudes sont alors posés à proximité de leur cage thoracique, en contact sur une partie du bras je présume (rapprochement dû à l’étroitesse des salles d’Avignon). Le rythme respiratoire de chacun crée une sorte de mouvement pas tout à fait cyclique mais presque. Mon attention est attirée par des toussotements, des toux, des gesticulations d’autres spectateurs créant un ensemble de bruits pas tout à fait mélodiques mais presque.

Après quelques minutes, bercé par ce mouvement pas tout à fait cyclique et ces bruits pas tout à fait mélodiques, j’entends un craquement au plateau. Je me concentre, les yeux fixés dans la direction du craquement à jardin, devant moi en contre plongée, une masse spectrale apparaît. En effet, mon regard s’adaptant à l’obscurité, je commence à percevoir un puis plusieurs fantômes en mouvement. Etaient-ils déjà sur scène ou viennent-ils d’apparaître ? Ces silhouettes vacillantes sont d’ailleurs peut-être fixes, mais l’oeil dans l’obscurité totale les floute et les rend mouvantes. Aussi, et ce pour la même raison, si l’on fixe l’une d’entre elles, celle-ci a tendance à disparaître et il suffit de regarder non plus dans sa direction, mais juste à côté pour la voir réapparaître. La biophysique de la vision est passionnante mais trop complexe pour en rendre compte en quelques lignes. Plus d’informations dans cet extrait de BIOPHYSIQUE de David Farhi et Ruben Smadja:

https://books.google.fr/books?id=rYhxOyAkSgcC&pg=PA222&lpg=PA222&dq=adaptation+à+l’obscurité&source=bl&ots=sMxVjegSYz&sig=ThP53DkrEni9IJfeWTeCR4WEG6I&hl=fr&sa=X&ei=5284UeZgzb49-dqBsAI&ved=0CDUQ6AEwAQ#v=onepage&q=adaptation à l’obscurité&f=false

Un mot sur les costumes – Il est important de dire que pendant 5O minutes, l’obscurité est quasi totale. La seule vision possible est celle de ces masses blanchâtres/jaunâtres floutées mouvantes. N’ayant pas consulté le programme, je pensais que ce jeu de surbrillance était dû à un costume phosphorescent. Hors il n’y a pas de costume dans Memento Mori. C’est le jeu de lumière à très faible intensité sur les peaux nues qui donne à voir une image : celle de « ces masses blanchâtres/jaunâtres floutées mouvantes » dont mon imagination s’empare : « une masse spectrale… d’autres fantômes en mouvement ». D’ailleurs, ne distinguant pas complètement les membres inférieurs de leurs corps, j’ai le sentiment qu’ils flottent sur le plateau.

Je reprends ma description. Le corps m’apparaissant immobile ne l’est plus tout à fait. Je suis à présent capable de distinguer les contours encore mouvants de cette silhouette. Les membres supérieurs se détachent du buste avec lenteur et continuité, montent au-dessus de la tête puis redescendent avec la même douceur. Je m’adoucis également à la vision de ce fantôme auparavant angoissant (arrivant très proche de moi au bord du plateau et apparaissant brusquement dans mon champ de vision, immobile). Il se déplace, marche lentement à cour puis vers le fond du plateau pour rejoindre un groupe. Dans cette marche au ralenti, le transfert du poids lors des changements d’appuis est imperceptible. Commence alors une série d’actions simples. L’un va au sol, l’autre tend son bras, attrape sa main et le lève en contrepoids. Debout, ils s’étreignent.

Des jeux d’apparition/disparition se mettent en place (c’est un quasi pléonasme lorsqu’on se laisse aller à penser que ce sont des spectres). Les entrés/sorties rythment les actions au plateau : assis/debout/couché pour reprendre la formule d’Annie Vigier et Franck Apertet. Spatialement, certains se croisent d’autres s’évitent. Certains entrent d’un côté du plateau en marchant puis disparaissent par illusion d’optique et réapparaissent pour sortir de l’autre côté de la scène. D’autres se mêlent, s’emmêlent jusqu’au sol, roulent ensemble avant de se séparer.

J’insiste sur la qualité des mouvements qui sera sensiblement la même tout au long de la pièce. Ils sont lents, précis, organiques. Le poids de chaque partie du corps en mouvement est déposé comme si le squelette s’animait mais que la chair, les muscles, les viscères pendaient. Un corps fragile, vierge d’habitude. Un rapport assez particulier à la gravité donc et un flux continu qui tord l’espace-temps universel. Pas un saut, pas une course ni aucun autre mouvement rapide ne viendra rompre cette lente introduction qui m’évoque la pièce Herses de Boris Charmatz.

En effet, je vois dans ce continuum de déroulement d’actions au ralenti, une volonté de courber le temps, de changer de réalité : ici, on aurait tort de réduire l’action au seul prisme du temps mesuré. Vouloir gagner du temps – cela signifie dans plusieurs circonstances, vouloir gagner du temps mesuré au détriment du temps ressenti en sacrifiant ainsi la substance de l’activité concernée. Il s’agit ici (dans un premier temps) de briser la dictature du temps mesuré pour (dans un second temps) conscientiser le temps ressenti et enfin (dans un troisième temps) saisir l’immédiateté de l’instant.

memento3

Memento Mori de Pascal Rambert et Yves Godin. Photo Marc Domage. 2013

Une vanité

La vanité est un genre de nature morte qui suggère que l’existence terrestre est vaine, vide de sens. La vie est précaire et n’a que peu d’importance. Souvent imperceptible, la principale différence qui distingue une vanité d’une nature morte est la représentation de personnages. Dans les vanités, les objets représentés sont symboliques de la brièveté et de la fragilité de la vie, du temps qui passe, de la mort. Ainsi le savoir, la science, les richesses, le luxe, les plaisirs et la beauté y sont mis en scène. La mort souvent symbolisée par un crâne relativise la connaissance, les autres vertus et les plaisirs futiles qui ne sont qu’éphémères. Au delà d’une pensée de finitude et de mort se révèle la représentation d’une société aisée, cultivée, éprise de richesse et sophistication.

Le corps qui m’apparaît immobile est certainement celui d’un homme me suis-je dis sans avoir lu le programme (qui indique la présence de 5 interprètes, tous masculins). Pourtant, malgré le fait qu’il n’y ait que des hommes au plateau, que l’équipe artistique ne soit composée qu’exclusivement d’hommes, la question du genre ne m’apparaît pas essentielle dans cette pièce puisqu’il y est difficile, voire impossible de détailler quoi que ce soit sur les corps, de décrire une marque de fabrique typiquement masculine dans les dispositifs. A bien y réfléchir, à l’exception des 10 dernières minutes, on ne peut qu’y retrouver des attributs correspondants au genre humain sans distinction de sexe. Les corps se rapprochent de la notion performative de corps-outils dans le sens où ils sont utilisés comme matières pour la composition d’un tableau vivant.

Lorsqu’au bout de 50 minutes, l’intensité de la lumière augmente, elle devient crépusculaire. Il est désormais possible de percevoir les corps et leurs contours, de voir ces hommes se déplacer et sortir un instant du plateau. Un temps. Ils reviennent, physiquement chargés. Chacun d’eux porte quelque chose de lourd et cela a une incidence sur leur marche. En effet, la charge opère une redistribution des masses corporelles, et par voie de conséquence, leur posture vient de changer. La personne que j’observe marche davantage sur les talons, ce qui accentue la cambrure du dos. J’aperçois sur son épaule une banane ainsi que d’autres fruits. Ils se rejoignent en cercle au centre du plateau et, à la manière de La danse de Matisse, se prennent par les bras. Les mains viennent accrocher les cous, les nuques, les épaules ou les bustes. Reliés ainsi les uns aux autres, ils amorcent une série de mouvements ondulatoires organiques. Le premier pas s’accompagne du son de fruits chutant au sol, puis par vagues successives, à mesure que l’amplitude augmente, que l’ondulation se propage, tous les fruits tombent et s’écrasent au sol. Le martèlement de la chute est parfois troublé par les bruits d ‘éclatement des fruits piétinés. Rapidement, l’odeur du raisin, de la banane se diffuse. Je plonge brièvement dans un souvenir d’enfance en Italie, celui du foulage des grains de raisins, pour en faire sortir la pulpe et le jus sans écraser le pépin, une des étapes de la fabrication artisanale du vin.

Bacchanale – Au sol, au milieu des fruits, les corps s’étendent les uns sur les autres et après quelques respirations de groupe, ils se dispersent, se recomposent, glissent ou s’érodent. Un couple s’enlace passant continuellement dans diverses situations érotiques. Un homme approche sa bouche du corps d’un autre et lèche ou aspire (je ne sais pas s’il avale…) le jus sur son buste. Il se rapproche davantage jusqu’à se lover dans les bras de son hôte. Ils seront rapidement rejoints par un troisième venant s’en mêler et s’emmêler de telle sorte que je ne distingue plus à qui appartient ce que je vois. Ivresse ou jubilation, Bacchus s’invite à l’effusion orgiaque.

C’est progressivement une lumière bleutée et froide qui viendra éclairer l’ultime scène de Memento Mori (à moins que cela ne fasse déjà plus partie de la pièce mais des saluts, et dans ce cas, il sera amusant de les décrire avec précision). Sans la moindre rupture avec ce qu’il vient de se passer le groupe se démêle, les corps enchevêtrés se dénouent pour regagner progressivement une place sur le plateau. Certains marchent à quatre pattes, d’autres rampent, roulent ou traînent. Tous s’accroupissent. A l’unisson ils pivotent face à nous, regroupent méthodiquement leurs appuis (mains et pieds) autour du polygone de sustentation et se redressent lentement en prenant soin de dérouler la colonne vertébrale pour arriver debout, vertèbre après vertèbre. Des gouttes de sueur ou de jus perlent chez les uns, coulent chez les autres. Le regard est suspendu, le temps autour de moi l’est aussi. Applaudissements. Dans une même qualité, sans discontinuité de temps ou d’énergie, ils saluent puis sortent de scène en marchant lentement à jardin.

Le crescendo de lumière sur ce dernier tableau dévoile un sombre paysage, le pendrillonage noir à l’allemande tranche avec l’exaltation des couleurs des fruits jonchants le sol, macérants dans leur jus. Ces cinq hommes musclés sont plantés là avec une présence de corps fragile presque végétale. Les codes sont à l’oeuvre dans la plupart des natures mortes et des vanités. Compréhensible aux spectateurs de l’époque, accoutumés et familiers des symboles moraux et religieux, ce langage a cessé de nous être accessible. La symbolique des objets et des couleurs s’interprète différemment selon le contexte. N’étant pas spécialiste, en voici une lecture tout à fait subjective, partiale et incomplète :

– le raisin serait l’incarnation de Jésus. Le « ceci est mon sang » de l’Eucharistie.

– la banane serait, par pure supposition, associée aux primates. Faudrait-il y voir la projection d’un instinct primitif ou d’une nature primitive de l’homme ?

– le fruit est associé à la prospérité mais aussi, puisqu’il est périssable, à la fragilité de la vie. Précision importante : le fruit abîmé est un marqueur essentiel de la corruption de toute matière, signe de la pourriture de l’être.

– le noir, couleur achromatique, symbolise par association d’idées à la fois la sobriété, la dignité, l’élégance, le raffinement, la richesse, le luxe (une pensée pour l’étalon noir de Ferrari), la puissance, le pouvoir, l’autorité, la menace, la révolte, l’anarchie (le drapeau noir), l’austérité, le deuil, le désespoir, la peur, le mal, le malheur et la mort. Sans oublier les mystérieuses expressions de noirceur aux connotations négatives : avoir des idées noires, broyer du noir, travailler au noir, être sur liste noire, jeter un regard noir, le marché noir, le mouton noir, l’humour noir… Le noir qualifie donc ce qui est imprévisible, dangereux ou malfaisant. Dès l’enfance, nous assimilons ce code (comme tant d’autres) auprès des contes ou des films d’animation : Caliméro, le personnage malchanceux, est noir… les corbeaux sont domestiqués par les sorcières… et cela persiste parfois à l’âge adulte, qui est pourtant considéré comme l’ « âge de raison » : les chats noirs sont un présage de mauvaise augure.

La volonté d’abolir l’espace-temps de la représentation théâtrale est vécue comme une immersion extraordinaire, irréelle. En effet, nous pouvions dans un même temps nous projeter dans le passé, à l’époque paléolithique, à Lascaux en présence d’hommes préhistoriques ou dans le futur, non plus sur terre mais dans la stratosphère, en présence d’extra-terrestres. Les caractères hautement symboliques (des fruits et des corps), la valeur du temps qui passe (putréfaction future : ils viennent de la terre et ils retourneront en terre), font de Memento Mori une vanité chorégraphique. Une vanité qui prend la forme d’un spectacle vivant, par conséquent éphémère : un passage immatériel. Et même s’il ne subsiste physiquement plus rien, il y a pourtant quelque chose de sensationnel qui reste là, quelque part en moi.

Lorsque Pascal Rambert définit cette pièce comme « solaire », j’ai envie de préciser qu’il s’agit alors d’un soleil noir, mystérieux et magnétique, qui suscite, comme toutes les œuvres fortes, des controverses ici à Avignon. Et puisque nous sommes dans la cité des papes, à Memento Mori païen, j’associerai : « Sorti nu du ventre de sa mère, il en retournera de même, et n’emportera rien avec lui du fruit de son labeur » la Bible.

 

Documents : Photos de Marc Domage / Scans du programme de salle recto/verso avec le nom des autres collaborateurs.

Lien : Entretien avec Pascal Rambert : http://www.theatre-contemporain.net/spectacles/spectacles-7469/ensavoirplus/idcontent/33119

 

Tino Sehgal, exposition Photo, Musée de la danse, 2012

Perceptions/Analyse : Tino Sehgal dans le cadre de l’exposition Photo avec Tim Etchells, Pierre Leguillon, Jean luc Moulène, au Musée de la danse à Rennes, le 30 et 31 mars 2012 de 14h à 18h.

par Marie-pierre DUQUOC.

Réception : Le 31 mars 2012 de 16h à 17h dans la salle de spectacle du Musée de la danse

Ecriture : Nantes le 2 avril 2012 (en italique les ajouts de situation et souvenirs du moment)

Je rentre, il fait nuit, par un geste il (un jeune homme) m’invite à rentrer, à m’avancer dans la pièce.

Je ne vois rien
j’hésite
j’entends des voix
des voix qui chantent un rythme des rythmes des voix de femmes des voix d’hommes des voix jeunes

des voix près des voix loin devant et tout autour de moi

(Pour l’instant je ne pense pas je réagis)
Je m’avance doucement … je m’enfonce dans le noir prudemment… très lentement
nuit, présences, voix, elles circulent, m’encerclent.
J’aperçois , je distingue, un halo de lumière jaune, au centre de l’espace
des silhouettes debout et assises,
je m’avance
je vois de mieux en mieux
distingue ceux qui chantent,
Je m’assois (sur le sol, au milieu des danseurs et d’autres personnes assises)
J’écris
le texte qui précède et puis celui qui suit parfois entre ce que je vis, ce que je vois ce que j’entends et ce que j’écris il y a un léger différé ou décalage
J’entends des voix de blues
une voix de femme,
elle s’approche tout près d’une personne elle lui chante presque dans l’oreille, elle est noire, elle continue à avancer passe derrière moi, je ne la voie plus je l’entends…
la lumière s’affirme, un homme danse

Des silhouettes dansent, s’animent.
Le rythme du chant s’atténue
puis reprend j’entends Tchou tchou tchou, waou,waouw wahou, tigidigidik
la lumière s’estompe, je ne vois plus rien.
Je revois
ils dansent en rythmes,
je vois des corps qui bougent, balancent le bassin, lève les bras vers le plafond, lèvent les

jambes, un bras l’autre la jambe, des bras des jambes le bassin, ils tapent du pied sur le plancher.
Changement de rythme
Reprise

Tigidigidick, sauter, taper, plancher, nous, eux , moins vite , marcher, s’arrêter – Silence
Attendre
Entendre

Claquement de langue
Je pense au chant religieux noir, aux rites religieux noirs

Silence
Ils s’immobilisent Des gens sortent Silence dedans Des voix dehors

Ça recommence
ça parle en anglais
ça se tait encore,
ça circule ça marche ça marche
ça discute dehors
ça souffle dedans, tchi tchi pou
ça rentre, ça swingue
ça danse, ça fait danser…
ça bouge, ça saute, ça tape encore et fort, ça fait lever les gens, ça prend le bras, ça tire, ça fait bouger, ça fait danser les gens, les gens ça dansent, ça n’ose pas, ça ose, ça fait oser, ça danse les danseurs, tout ça danse, ça swingue, ça souffle, ça tape, ça chante tchou tchou pou

Interruption de l’écriture, je range mon carnet, j’observe…
Le texte qui suit sera en différé écrit quelques minutes après la sortie, dans le jardin pendant environ 5 min ou plus?

Dehors dans le jardin,

J’entends un jeune garçon raconter comment il s’est levé, a dansé … « ils dansent depuis 14h comme ça …»

Je reste assise on ne m’a pas invité à danser,
je suis tout au milieu
ça danse tous ensemble, ça danse tout autour devant derrière, tout prêt,
ça me frôle,
je suis assise toujours, sans écrire, j’ai ranger mon carnet, j’observe un temps ,
à ma gauche des femmes ont été invités à danser, elles sont debout, bougent un peu une femme s’approche, jeune elle danse devant moi, s’éloigne
à ma droite une femme est assise aussi
ça dure quelque temps
j’hésite puis
je me lève
j’aimerais danser mais je n’y est pas été invité

je reste debout je me balance
doucement
ils dansent, tous, de plus en plus vite
nombreux, tout près, s’approchent, s’éloignent, tournent, dansent, des hommes des femmes des jeunes, de plus en plus vite, transe collective, de plus en plus forts, ils tapent, Le public s’immobilisent. Ils (les danseurs) continuent, se rapprochent du centre, se rassemblent en noyau…

J’entends un nouveau rythme
Je les vois marcher ensemble
Je pense à un troupeau
Je les vois pousser le public, ceux qui ne dansent plus, ils résistent
le troupeau s’avance avec le public, il pousse, le public avance sous la poussée J’entends une voie qui crie qui chante it’s time to go away

J’entends toujours Tchou tchou tcou
Je réalise qu’ils (les danseurs) nous pousse vers la sortie, qu’ils nous invitent à sortir. J’entends toujours la voix qui se fait de plus en plus insistante , it’s time to go away, le public résiste toujours ,
il bloque la sortie,
les danseurs poussent bloquent.
J’attends.
J’entends it’s time to go away , tchou tchou tchou

Je sors

Pendant que j’écris dehors dedans la performance reprend j’entends les voix derrière moi

Je retourne dans la salle
Je reste un long moment sans écrire, décide de me concentrer sur un double focus , les voix, l’espace, j’observe dans le but de l’écrire de mémoire, il fait trop noire pour écrire.
Je suis incapable maintenant de décrire ce que j’ai entendu.
Je me souviens :
Au plafond il y a 6 spots rectangulaires qui diffusent une lumière jaune orangé dans des variations d’intensité d’ombre et de pénombre, au fond des rainures de lumières du dehors bordent chaque côté des rideaux noirs, la porte d’entrée à ma droite reste toujours ouverte filtre un léger rayon de lumière qui me permet d’écrire.
Dans le noir je deviens plus sensible aux odeurs des corps qui me frôlent… Je me souviens d’une odeur de savon d’un des danseur. Le protocole est un peu différent, mais toujours chant et danse mêlé du molto au staccato au molto etc…

J’entends une voix dire thousand ten …???
passe un peu de temps quelques événements que je n’ai pas noté
puis thousand eleven
je pense qu’il compte ou décompte les actes ou protocoles de présence

Ils s’assoient,
échangent en anglais
j’entends conséquences
j’entends no
j’entends conséquences, children, money

etc…
Je m’assois contre le mur en périphérie
(Je me concentre sur la conversation qui démarre, entrecoupé de silences, de phrases qui comprennent le mot consequences, et de no réponses répétitives d’un autre membre de cette assemblée, je ne note plus, écoute, une femme raconte qu’elle n’a pas les moyens de prendre en charge sa famille, qu’elle ne peut s’occuper que d’elle même, qu’elle choisit de se concentrer sur de toutes petite choses…

Une femme une des danseuse (je la reconnais) s’assoie à côté de moi

J’entends un murmure, elle chante now, now now , j’entends au loin yeah yeah, la voix bouge j’entends its very action time,
elle se lève

j’entends whaou wahou,wahou,wah
ils chantent entre blues rap gospel
je vois la danse reprendre, ils lèvent les bras hauts, s’arrêtent, reprennent

Noir / voix / chants/ rythmes / variations / noirs / voix/ hommes/ femmes / voix /corps/ mobiles / immobiles / silences/ voix / chants / conversations / arrêt / reprise / jeux / j’eux

Je vois un couple avancer, ils rentrent en diagonale ils avancent doucement accrochés l’un à l’autre, ils marchent lentement, prudemment,
Je pense, ils ne voient rien, ils font partie de la chorégraphie, ils dansent à leur insu. J’imagine que moi aussi, nous aussi pour tout ceux qu’était là avant moi, avant nous.

Don Don aha ah,
je ne sais plus raconter ce que je vois ce que j’entends
j’entends : Over danse comme on thrue the over danse
oh yes ohoh ah ah
tss tss dowm tss tss down
Je pense que le dispositif ne présente aucune qualité esthétique particulière de voix et de chants, c’est un moment commun, commun dans les deux sens du terme,
les gestes les chants sont tirés d’un répertoire collectif
boîte de nuit, fête, manifestation,
chant gospel, blues, jazz, saoul…
Je pense au livre que j’ai relu La communauté désoeuvrée de Jean Luc Nancy,
à la fois être singuliers et quelconque et tous, publiques et danseurs mêlés, tous à la fois témoins de nos mutuelles présences, pas toujours distincts et parfois très distincts, les uns avec les autres ou contre les autres, ensemble et ensembles.
J’imagine qu’ils s’amusent beaucoup qu’ils s’épuisent aussi.
J’entends over danse or ever danse or over dose, je m’épuise à voir et écrire, et décrire Pou pou pou, l’un deux s’avancent vers mes voisines de gauches, les tire, les invite à danser, (déçue encore de ne pas être invité, c’est à cause de ce carnet ?)
stop, nuit , lumière, Coucou , ça va ? Coucou, tchi, balancement des hanches…

Je sors

Le lendemain je lis sur le carton d’invitation le petit paragraphe qui suit :

En contrepoint de l’exposition PHOTO l’artiste Tino Sehgal expérimentera

avec le public un nouveau projet d’installation chorégraphique, misant

sur « la vie des corps ».

À noter qu’il n’y a pas de titre ni même l’usage du terme performance… 

“De l’air et du vent” de Pierre Droulers

Perceptions/Analyse de De l’air et du vent de Pierre Droulers

par Anne DAVIER.

75

Réception : de l’air et du vent de Pierre Droulers vue les 28, 29 et 30 mars 2012 à la Salle de Eaux-Vives de l’ADC à Genève

Il y a des variations de danse que j’aime regarder plusieurs fois. Elles frappent mon imagination. C’est pourquoi j’ai envie de revoir certaines œuvres. Parfois, elles se condensent dans peu de gestes (une rotation infime de la tête, une cassure de la main), d’autres fois dans des phrases chorégraphiques plus longues. Ces instants de danse me saisissent, me transportent et me projettent à la fois en dehors de moi- même et au plus profond de moi.

La répétition, dans une même œuvre, d’une phrase chorégraphique qui m’a captée – capturée pourrait être le mot juste – est une expérience plus forte encore, parce que condensée dans un seul espace-temps. La danse alors ne me lâche pas : je reconnais le moment déjà vu, je sais qu’il va revenir encore, je l’attends, il est le même et toujours différent. Le même, car ce sont les mêmes corps, les mêmes gestes, mais autrement parce que l’intensité a peut-être changé, ou alors le rythme.

Voir et revoir une œuvre chorégraphique fait partie de l’exercice de ma profession. Je n’ai jamais trouvé cela ennuyeux. Au contraire ; j’essaie de la voir comme si c’était la première fois, pour me permettre de reconnaître quelque chose que je ne connaissais pas encore. Malgré ces répétitions, je crois toujours que quelque chose m’échappe. J’ai dressé depuis une dizaine d’années une liste des titres des pièces que j’ai pu voir en live, suivis du nombre de visionnement. Par crainte de l’oubli, sans doute. Verosimile de Thomas Hauert, 4x; Salves de Maguy Marin, 3 x ; Brisures de Yann Marrussich, 5x; Squaregame de Merce Cunningham, 2x; Lanx de Cindy Van Acker, 4x; Rosas danst Rosas d’Anne Teresa De Keersmaecker, 3 x; Spider Galaxies de Gilles Jobin, 4x; etc.

Une œuvre de Pierre Droulers, de l’air et du vent, me semble être traversée par la question de la répétition, à plusieurs niveaux. Elle m’intéresse pour cela, bien sûr, mais aussi parce qu’elle m’a saisie la première fois que je l’ai vue, et davantage encore les deuxième et troisième fois. J’ai souhaité prendre le temps, dans ces lignes, d’écouter ses résonances, de les formaliser et de les transformer, je l’espère, en connaissances.

Créé en 1996, de l’air et du vent est repris en 2010, soit quatorze ans plus tard. Accompagné des cinq interprètes de 1996, dont Stefan Dreher, également présent dans la nouvelle distribution, Droulers transmet la pièce aux nouveaux danseurs. Je vois là, contextuellement, la première répétition qui se rattache à cette pièce, sa reprise. J’y reviendrai plus tard.

Depuis cette reprise en 2010, les critiques ont décrit de l’air et du vent comme un exemple de « danse pure », de « danse dansée ». Pierre Droulers a d’ailleurs affirmé qu’il l’a réactivée (c’est le terme qu’il emploie) notamment pour répondre à la raréfaction de la danse qu’il perçoit actuellement dans le paysage de la danse contemporaine. Il est vrai que le mouvement traverse de l’air et du vent – un mouvement précisément écrit, dans sa forme autant que dans les relations temporelles et spatiales qu’il inscrit. Il est vrai aussi que l’engagement physique des danseurs appelle de façon très directe celui du spectateur. Mais il serait dommage de considérer cette « danse dansée» comme une fin en soi. Le chorégraphe la met en tension avec la scénographie, le son, la lumière, le temps, l’espace.

Les objets scénographiques, imaginés par Thibault Vancraenenbroeck, sont éparpillés sur la scène. Des matières simples comme des draps en nylon, une couverture de survie argentée, des écrans en papier séchant sur une corde à linge. Et des ballons, comme de grands oreillers en papier kraft qui rappellent ceux réalisés par Warhol pour le RainForest (1968) de Cunningham, gonflés comme des baudruches. Les sons, bruits d’orage et de vent, sont produits par l’activation de ces objets par les danseurs. Ils alternent avec les cordes de Gyorgy Kurtag, les trames de Luciano Berio, les accords de Jean-Philippe Rameau, livrés par intermittence. Quatre projecteurs suspendus à des chaînes à mi-hauteur oscillent et se font ponctuellement secouer par les danseurs. La lumière qu’ils projettent est tour à tour douche immobile déversée sur le sol et zébrures lumineuses échappées dans l’espace théâtral.

L’alternance de phrases chorégraphiques étirées, presque ralenties, voire suspendues et d’accélérations nettes, avec des accents corporels marqués qui ponctuent la propagation continue du mouvement, donne à cette pièce une temporalité contrastée – le calme avant la tempête ?. Au sol, le plateau de danse est délimité par un tapis gris, mais l’espace de jeu déborde bien au-delà, jusqu’aux murs du théâtre à cour et jardin. Pas de coulisses, mais une machinerie à vue : cordes arrimées, poids, trapèzes que les danseurs empoignent – pour mettre en mouvement la baudruche, activer un vol de sacs plastiques blancs, déclencher une rafale de vent. Hors tapis de danse encore, un ventilateur. Il est allumé lorsque le public entre et soulève, par d’amples ondulations, un grand voile de plastique transparent qui recouvre une danseuse, couchée sur le sol, la tête tournée vers le public. Le ventilateur s’arrête et ne soufflera plus. Le souffle qui se produit dès ce moment-là vient des cinq danseurs seulement (deux femmes et trois hommes). Soit parce qu’ils marquent par leurs inspirations et expirations presque chacun de leurs appuis, saut, repousse, dépose. Soit parce qu’ils s’entraînent dans des courses rapides, hachées par des accélérations et décélérations ou changements brusques de direction : un véritable brassage d’air, accentué par la prise au vent de leurs vêtements conçus dans des matières souples.

Par exemple, la chemise blanche de Yoann Boyer qui lui est tendue par Stefan Dreher, alors que Yoann Boyer effectue une course concentrique à grandes enjambées. Ce qui l’oblige à incliner l’ensemble de son corps vers le centre du tapis ; cette inclinaison rend perceptible la gravitation. Stefan Dreher tient, immobile, la chemise à l’envers (col au sol), ouverte sur la trajectoire de Yoann Boyer. Celui-ci l’enfile en plongeant ses deux mains dans chaque emmanchure puis la passe très vite par-dessus sa tête, pour la porter ouverte et à l’endroit. Sans changer ni la vitesse de sa course, ni sa trajectoire, ni l’inclinaison de son corps. La chemise, trop grande, se gonfle derrière lui comme une voile déployée qui semble ensuite le porter. Autant de stratégies, comme les élans, les sauts, les vols, déployées par les danseurs pour rendre le corps moins grave. Une gravité par ailleurs continuellement éprouvée par des pertes d’équilibres toujours suivis de rattrapages in extremis, de sauts à cloche-pied, de chutes au sol, de transferts de poids marqués dans les changements de direction.

Initié une année après le spectacle Mountain/Fountain (1995), où Pierre Droulers avait travaillé sur l’accumulation, de l’air et du vent répond à un besoin quasi écologique de faire le vide, de travailler l’absence, l’immatériel que peut représenter l’air. Pierre Droulers explique dans un entretien récent 1: « Pour créer cette pièce, nous avons repris une phrase chorégraphique de Mountain/Fountain et nous nous en sommes servis comme d’un objet de base : la détendre, la chiffonner, la découper, la disperser, l’étirer, la torsader, la disséminer. Il fallait trouver quelles formes avaient les émotions de l’air et du vent, une émotion toujours en mouvement (…). Du coup, on a beaucoup travaillé sur la sensation. Chercher des corporéités, des formes de toucher proches de celles que proposent l’air et le vent. Par exemple, on pouvait rester vingt-cinq minutes dans une cour à observer un drapeau qui flotte dans le vent et, ensuite, faire trois minutes de ce mouvement-là (…). »

La reprise de cette phrase chorégraphique initiale, sa transformation et sa réinterprétation constituent un second type de répétition que je rattache à de l’air et du vent. J’ai visionné sur matériel vidéo Mountain/Fountain pour chercher la phrase en question. J’ai eu le sentiment, lors de ce visionnement, que de l’air et du vent était déjà là, dans Mountain/Foutain, mais je n’ai pas pu repérer la phrase en question. Une phrase qui, détendue, chiffonnée, découpée, dispersée, étirée, torsadée… s’était disséminée partout dans de l’air et du vent. Rester vingt-cinq minutes dans une cour à observer un drapeau qui flotte dans le vent, pour refaire ensuite ce mouvement, en dit long aussi sur les dispositifs mis en place par Pierre Droulers pour dynamiser son imaginaire de créateur et traduire ou transmettre ses intentions à ses interprètes.

Plusieurs phrases chorégraphiques se répètent dans de l’air et du vent – c’est là le troisième niveau de la répétition. A chaque nouvelle reprise, un accent inédit surgit, ou la phrase se décline à plusieurs vitesses, ou son développement ouvre vers quelque chose d’autre. L’une de ces phrases, qui dure 10 secondes, revient à quatre reprises en 8 minutes. Sa répétition ponctue la seconde partie de la pièce – une partie plus rapide, agitée, avec une bande son qui siffle comme le ferait un vent de bord de mer. La séquence s’incruste dans un enchaînement de mouvements et se pose comme une vignette, immédiatement reconnaissable. Elle connaît chaque fois un développement différent, mais dans lequel se retrouvent des éléments identiques. Voyons ces quatre occurrences (entre parenthèse, leur minutage).

(23:35) Les deux danseuses, Michel Yang et Katrien Vandergooten, terminent une course arrière en s’arrêtant côte à côte, face au public et côté jardin. Elles agitent avec leurs mains leur chemise et t-shirt, de la même manière qu’on le ferait pour faire passer de l’air sur son torse lorsque la température est trop chaude. Deux danseurs, Yoann Boyer et Stefan Dreher, se glissent derrière elles, leur tiennent la taille puis se mettent couchés sur le dos. Ils calent leurs pieds autour des chevilles des danseuses puis ramènent leurs genoux sur leur poitrine. Les danseuses se regardent tout en continuant à agiter leur t-shirt et se hissent sur les pieds des danseurs, se trouvant perchées, croisant leurs bas de jambes comme on le ferait sur des tabourets de bar. Un éclat de lumière jaune se pose quelques instants sur elle, alors que la teinte de la lumière tire sur le bleu acier ailleurs sur le plateau. Elle provient de l’un des quatre projecteurs suspendus : ils balancent légèrement et créent des douches de lumière chaudes et mouvantes. Peter Savel, jusqu’alors en- dehors du tapis, côté jardin, passe devant les deux danseuses en effectuant un déboulé relâché, et les déséquilibre au passage. La construction du quatuor s’affaisse : les deux danseuses chutent à terre, leurs porteurs passent couchés sur le côté. Peter Savel finit sa course côté cour et se retourne pour regarder les quatre corps à terre : pendant deux secondes, personne ne bouge. Fin de la séquence.

Dans le développement qui suit cette première séquence, le quatuor se relève, Peter Savel le rejoint tandis que Michel Yang le quitte. Reformé, le quatuor va en courant se mettre au fond du plateau, deux par deux, l’un derrière l’autre, comme au début de la séquence mais debout. Les deux danseurs qui sont à l’arrière traverse la rangée de devant par son milieu pour se trouver au premier rang, en penchant leur buste vers l’avant, comme s’il s’agissait d’avancer contre le vent. Leur t-shirt sont agités, de la même façon que dans le premier temps de la séquence, mais par les mains des deux danseurs qui se trouvent derrière eux et qui retiennent par leurs vêtement les deux danseurs, qui passent leur poids sur l’avant, toujours dans le même effet de lutte contre le vent. Michel Yang, elle, se trouve à la place de Peter Savel et les regarde depuis le devant de la scène, côté cour, puis se lance vers eux en effectuant des roulés à terre. Elles devient une balle dans un jeu de quilles lorsqu’elle arrive au niveau de leurs pieds : chacun saute pour l’éviter et va finir sa course au bord du tapis, tout en restant suspendus dans un état de corps déséquilibré, tandis que Michel Yang finit ses roulades au fond du plateau côté jardin.

(26 :10) La séquence se reproduit à l’identique jusqu’à la chute du premier quatuor. Cette fois-ci, lorsque les danseurs se relèvent, c’est pour former une diagonale serrée, dos au public. Ils sont rejoint par le danseur qui les a déséquilibrés et qui se met à l’avant de la ligne. Sitôt la diagonale formée, le premier danseur du quintet, Peter Savel, engage par la tête une rotation de son corps à 180° pour se retrouver face au public ; ce geste terminé est aussitôt repris par le deuxième danseur, puis le troisième, le quatrième et le cinquième, en cascade. La ligne qu’ils forment bascule sur l’avant, jusqu’à la chute à plat ventre. Les cinq danseurs se réengagent dans une rotation à 180°, initiée par un mouvement brusque de tout leur corps qui se tend, se soulève et se retourne d’un seul bloc sur le dos. D’un seul bloc encore et toujours alignés, les corps se redressent en position assise, dos au public, passent sur les talons, pivotent à 180° et projettent leurs jambes en avant pour se retrouver assis, face au public. Au vent s’est rajouté des bruits de fermetures éclairs zippées, des sifflements de toupies, des cliquetis métalliques. Une fois encore, la tête amorce un mouvement en se projetant en arrière. Suit une descente rapide du torse : tous se retrouvent couchés sur le dos. Peter Savel, le premier de la ligne, engage alors une roulade, qui fait écho à celle, solitaire, du développement de la première séquence. Les quatre danseurs l’imitent, les uns après les autres, à nouveau en cascade.

(28:30) Le début de la séquence est le même jusqu’à la mise à terre du quatuor. Le quatuor se redresse, Peter Savel vient le rejoindre et c’est Yoann Boyer qui le quitte. Le quatuor forme à nouveau une diagonale, buste incliné à l’équerre. Le premier de la ligne tient les hanches du second, qui tient les hanches du troisième, qui tient les avant-bras du quatrième, tourné dans l’autre sens. Yann Boyer vient en courant se placer derrière la ligne que leur chaîne forme, saute par- dessus elle en prenant appui sur les hanches du deuxième et passe par-dessous le deuxième et troisième danseur. Lorsqu’il se relève, buste incliné en avant, il trace une diagonale à angle droit de la précédente en sautant à cloche pied, jambe droite tendue derrière lui. Le deuxième danseur de la chaîne saisit le pied droit de Yann Boyer et le suit dans sa diagonale à cloche pied, dans une posture identique, bientôt imité par le troisième danseur, le quatrième puis par Peter Savel qui ferme alors la nouvelle ligne formée. Celle-ci avance ensemble à cloche-pied jusqu’à l’angle de fond du tapis côté jardin. La nouvelle chaîne se dissout, la danse se poursuit dans cette même intention ludique, où les mouvements se contaminent d’un danseur à l’autre.

(31.50) Seul le début de la séquence se reproduit à l’identique. Les deux danseuses perchées tombent à terre sur leurs pieds, mais ne chutent pas. Elles semblent bien perdre leur équilibre après cette bousculade, mais elles le retrouvent en courant, buste penché en avant. La phrase habituelle se voit amputée de sa seconde partie, ainsi que de son développement. Les trois expériences précédentes ont sans doute permis aux danseuses d’appréhender autrement la chute et la gravité. On passe à autre chose, tout en pressentant que cette répétition est la dernière :

Avec cette répétition à l’exact d’une séquence à quatre reprises, suivie à chaque fois d’un développement différent, le passage du temps est vécu et perçu d’une manière singulière. Dans la répétition de la séquence, les actions du corps sont enchâssées et l’on peut se projeter dans la dynamique du mouvement. La répétition fonde une série, elle rend nécessaire pour le spectateur un travail de remémoration, de restauration du passé pour une projection dans le futur. Le développement de la séquence, au contraire, laisse la place à l’inattendu : chaque fois, quelque chose d’autre survient et on ne peut se projeter dans la dynamique du mouvement. Les développements ne sont pas identiques, mais des séquentiels existent pourtant, qui se forment ailleurs, dans les flux, les accents, les poids, les diagonales reprises et déplacées, les relations que les interprètes tissent les uns avec les autres. Les danseurs jouent sur des modes instables et renouvelables, sur la mobilité et la variabilité et créent des temporalités multiples. Ce processus est stimulant pour le spectateur, puisqu’il se reconfigure à tout instant.

La reprise de cette pièce de Droulers m’a tout d’abord questionnée sur cet engouement constaté depuis quelque temps pour la reprise d’anciennes œuvres. En effet, en France, la tendance au retour sur œuvre se caractérise par un enthousiasme pour la danse des années quatre-vingt. Par exemple, Jean-Claude Gallotta avec Daphnis é Chloé (1982 et 2011), Mathilde Monnier avec Pudique Acide /Extasis (1984 et 2011), Joëlle Bouvier et Régis Obadia avec Welcome to paradise (1988 et 2011), Philippe Decouflé et son Panorama qui remixe les meilleurs extraits de ses spectacles depuis les années quatre-vingt. En Suisse, la danse contemporaine est encore jeune et l’on parle plus volontiers d’un retour des années nonante. Les théâtres comme le public en sont friands, mais la nostalgie n’explique pas tout.

L’impact laissé par certaines pièces est plus fort qu’on ne le croit. Hier percute aujourd’hui et la répétition réactive les sentiments et impressions éprouvés. Madeleine proustienne, quête de la trace, constitution d’un répertoire… Tout cela à la fois, sans doute. Du côté des chorégraphes, les questions du répertoire et de la transmission prennent une autre acuité. Le temps a passé : la question récurrente de l’éphémère de la danse devient plus tranchante. L’œuvre chorégraphique est condamnée à disparaître. Les chorégraphes contemporains ont longtemps rejeté les discours patrimoniaux pour se détacher du ballet classique. Peut-être que cette posture évolue. La disparition de nombre de figures, comme celles d’Odile Duboc, de Pina Bausch et de Merce Cunningham, a mis les artistes face à la question de la survie de leur œuvre. N’y a-t-il pas effectivement chez les artistes le besoin et le désir, après des dizaines d’années de travail, de revenir à leurs fondamentaux, de retrouver le noyau dur qui les a constitué en tant que chorégraphe?

Plus généralement, la répétition de séquences chorégraphiques, mais sans doute aussi la reprise de pièces de répertoire, est porteuse d’une puissance généalogique. Elle s’inscrit dans une filiation. Répéter ce qui a déjà eu lieu pointe la question d’une identité originelle. La répétition n’est pourtant jamais la réaffirmation du même ; le travail de répétition est un travail conscient et la répétition trouve une extension contextuelle, entretenant un rapport complexe avec l’original. Ainsi, de l’air et du vent lutte contre la disparition : la reprise d’une phrase d’une ancienne pièce comme matrice originale, la reprise d’une même séquence à l’intérieur de la pièce, la reprise de la pièce douze ans après sa création… Tout est mis en oeuvre pour que quelque chose soit sauvegardé – l’instant présent, sa fugacité? Mais la répétition apporte forcément avec elle une doublure et s’inscrit dans une réalité temporelle où le passé coexiste avec le présent, où rien n’est immédiat, rien ne disparaît, et où rien ne se crée tout à fait.

Bibliographie, sources

  • 1 Stéphane Bouquet, février 2011. L’entretien se lit sur le site de Chaleroi-danse, www .charleroidanses.be/fr/biographies/30-choregraphes/169-pierre-droulers
  • Guisgand P. (2006). Réception du spectacle chorégraphique : d’une description fonctionnelle à l’analyse esthétique. Revue STAPS,74, 117-129.
  • Cours du DU – sessions 2 et 3

 

Trajal Harrell “Origines, genres et identités : le geste déplacé” en présence de G.Mayen

Compte-rendu de séance “Origines, genres et identités : le geste déplacé” de Trajal Harrel (artiste chorégraphique) en présence de Gérard MAYEN (critique)

du vendredi 9 décembre 2011, Centre Chorégraphique National de Franche-Comté à Belfort

par Frédérique LATU.

.TrajalHarrell_4_byIanDouglas_web 2012-10-08-CCS_6_23_12_0503small

Trajal Harrell in Twenty Looks or Paris is Burning at the Judson Church (S)(2009). Photo: Ian Douglas + Twenty Looks…, Performance at Bard college as part of the exhibition “anti-establishment”, CCS Bard Galleries, 2012. Photo : Karl Rabe.

1) Prologue : qui est Trajal Harrell ?

Trajal Harrell est un chorégraphe/performeur américain basé à New-York. Né à Douglas, dans l’État de Géorgie, il est diplômé de l’Université de Yale où il a étudié notamment le théâtre, la littérature et l’histoire de l’art. De 1991 à 1998, il se forme à la danse et à la chorégraphie dans différentes écoles américaines : The Martha Graham School of Contemporary Dance, The San Francisco Institute of Choreography, The City College of San Francisco, la Brown University, le Movement Research et la Trisha Brown School. En 1998, il devient artiste en résidence à Movement Research1 et commence à développer ses propres projets de recherches chorégraphiques et de performances. Depuis 2001, son travail est régulièrement présenté en Amérique et en Europe.

Ses principales pièces :
– Tickle The Sleeping Giant (2001)
– Notes on Less than Zero (2004)
– Showpony (2007)
– Quartet for the End of Time (2008)
– Twenty Looks or Paris is Burning at the Judson Church (S) (2009)
– (M)imosa, en collaboration avec C. Bengolea, F. Chaignaud, et M. Monteiro Freitas (2011)

De manière générale, Trajal Harrell tente de proposer une histoire alternative à celle habituellement racontée de la “post modern dance” américaine. En alliant ses recherches autour de ce mouvement à celles autour de la tradition du Voguing2, Trajal Harrell revisite le récit historique donné de la Judson Church et questionne la nature de son influence sur la danse contemporaine américaine et européenne de ces dernières années.

Lien : http://betatrajal.org/

2) Interview introductive de Trajal Harrell par Gérard Mayen

Gérard Mayen a été dramaturge de Trajal Harrell sur la pièce Twenty Looks or Paris is burning at the Judson Church (S). Il propose 3 questions afin de lancer la discussion.

Gérard Mayen : En tant quʼartiste performeur américain, comment te provient lʼhéritage du mouvement de la Judson Church ?

Trajal Harrell : Jʼai commencé mon parcours artistique par le théâtre à lʼUniversité de Yale où j’ai également suivi des cours dʼhistoire de lʼart et étudié le postmodernisme américain. Quand jʼai débuté mon travail personnel à New York au début des années 2000, je me suis orienté assez naturellement vers une démarche minimaliste. Je proposais alors une série de tâches (cf. les tasks dʼAnna Halprin). Ce travail a été plutôt mal reçu, peu perçu et absolument pas reconnu. Il y a (avait) une réelle méconnaissance et une incompréhension de la “post modern dance” aux États-Unis.

Parallèlement, en France, à la fin des années 90 et au début des années 2000, un coup de projecteur était en train de réactualiser ce même courant. De nombreux chorégraphes y faisaient explicitement référence tandis que de grandes figures américaines (Trisha Brown, Anna Halprin…) étaient invitées à montrer leurs pièces originelles sur les scènes françaises. Aussi, quand des artistes français ont été programmés à New York pour présenter ce qui sʼappelait “la non-danse”, mon travail a rencontré un certain écho et connu progressivement une visibilité et une reconnaissance.

(-> basculement de lʼhistoire)

Gérard Mayen : Est-ce que tu es surpris de lʼintérêt français pour le mouvement de la Judson Church ?

Trajal Harrell : Ce nʼest pas tant que je sois surpris par lʼintérêt français pour ce courant que par la manière dont il a été interprété et traduit. En effet, je trouve que le discours français est devenu rigide, formaliste, conceptuel. La Judson Church était un moyen de se rebeller, dʼexplorer, dʼinventer et non de se reproduire et de sʼinstitutionnaliser. Dans mon travail, si je mʼen inspire, jʼessaye surtout d’en détourner les codes plutôt que de les intégrer, de réactiver lʼesprit et les principes plutôt que de copier les formes.

Gérard Mayen : Est-ce significatif pour toi dʼêtre noir dans le champ de la danse américaine ?

Trajal Harrell : oui et non.
Oui car évidemment, être noir, ce nʼest pas neutre et cʼest parfois difficile de lʼêtre dans le monde contemporain. En tant quʼartiste, cʼest important dʼavoir conscience de cette spécificité et dʼavoir du recul sur les généralités qu’elle implique.
En revanche, je dirais non car, à New York, mon travail nʼa pas été assimilé à une œuvre noire ou gay. Cette dimension fait certes partie de la démarche mais pas de manière prégnante. En effet, je nʼexplore pas la notion dʼidentité en tant que telle. Mon travail est plutôt basé sur la question de lʼexistence : quelle que soit la couleur de la peau, cʼest dur dʼexister dans le monde et cʼest avant tout de ça dont je parle.
Ce qui a été complexe pour le public et les professionnels, cʼest quʼils nʼont pas réussi à situer immédiatement mon travail. Non pas que mon travail soit universel mais il rompt avec les archétypes établis (il y a peu de chorégraphes noirs et ceux qui ont fait carrière se situent dʼavantage dans le jazz). Je sors donc du cadre habituel et ça déstabilise.

3) Présentation par Trajal Harrell de sa démarche artistique

Dans son travail, Trajal Harrell souhaite réactiver lʼimagination, emmener les individus vers lʼimpossible, changer les choses / lʼordre établi. Et ce, non pas en manifestant dans la rue mais par lʼacte artistique.

a. Performance en direct d’un extrait de la pièce Showpony par Trajal Harell

Description : L’artiste nous invite à nous asseoir dans le gradin du studio, sur deux rangées, lʼune face à lʼautre. Chacun dʼentre nous a donc une personne en face de lui. Une rangée est laissée libre au centre. Trajal commence la performance en sʼasseyant sur les genoux de la première personne en bout de rang. Il reste ainsi au contact, immobile, sans parler, le visage impassible, plusieurs secondes. Il se lève, se décale et sʼassied sur les genoux de la personne assise à côté de la première. Il demeure de nouveau assis, immobile, regarde autour de lui, puis se lève et va sʼasseoir sur les genoux du voisin. Il renouvelle le processus jusquʼà la fin de la première rangée puis effectue la même chose sur la seconde rangée. Les temps dʼattente sont différents à chaque fois. De même, la réaction des spectateurs varie. Certains sont intimidés, dʼautres rient, dʼautres encore incommodés. Chacun observe et est observé. Chacun expérimente la corporéité du performeur et inversement, le performeur expérimente celle de chaque spectateur. Une forme dʼintimité se créer.

La performance aura duré une dizaine de minutes. Pour voir un extrait de cette partie de la pièce en live :

https://www.youtube.com/watch?v=aQUqNeaVsRw

Débat : Cet extrait de performance génère un débat animé entre nous. Les réactions sont vives et nombreuses. Les prises de paroles fusent. Un aspect centralise les remarques et les questions : la légitimité de la présence du performeur dans lʼespace intime de chacun. Certains se sont sentis pris en otages, voire heurtés si ce nʼest agressés dans leur rôle de spectateur. Dʼautres furent amusés et/ou curieux. En tout cas, il y eut peu dʼindifférence ou de neutralité.

Pourtant, pour Trajal, la question ne se pose pas en ces termes. Il souhaite simplement proposer et partager une expérience chorégraphique avec le public. Chacun est libre de participer ou non (dans la mesure où, dʼune part, les spectateurs ont fait le choix dʼassister à cette performance où rien nʼest caché, et dʼautre part, chacun – en dehors de la 1ère personne souvent complice – a le temps de se positionner avant lʼarrivée du performeur sur ces genoux). Il peut se lever, refuser d’accueillir l’artiste sur ces genoux, partir. Personne n’est donc censé subir la présence physique du performeur contre son gré. Mais cette notion de contact soulève immanquablement de nombreuses interrogations (quelle est la place du corps et du toucher dans nos sociétés ? quels sont les tabous associés ? quel rôle joue l’artiste dans ce domaine ? quelles sont les attentes des spectateurs ? quel type de lien peut- il exister entre le public et l’artiste durant la représentation ? etc.)

À la question “quelles sont les réactions du public en général ?”, Trajal remarque que la réception est très différente en fonction des contextes culturels et géographiques où la pièce est présentée : dans certains pays, les spectateurs restent distants tandis que dans dʼautres, ils sont très chaleureux et affectueux. Le performeur nʼa donc de cesse de sʼadapter aux réalités de chacun.

b. Extrait vidéo de la fin de la pièce Showpony

Description : Les spectateurs sont assis sur deux rangées de chaises, en bi-frontal. Au centre : lʼespace scénique sʼagence à la manière dʼun plateau de défilé de mode qui s’avance entre les deux rangées de spectateurs. Au fond, un écran.

Dans lʼextrait vidéo présenté par Trajal, lʼattention se focalise sur cet écran. Est alors projeté un diaporama de photographies. Il sʼagit dʼune longe série de photographies assez banales représentant des individus faisant la fête (dansant, riant, buvant, posant…) dans des espaces quʼon imagine privés, chez des particuliers ou dans des lieux dédiés. La qualité photographique est médiocre, ce qui met lʼaccent sur les personnes représentées plus que sur le cadrage ou la composition. Ne demeurent donc que des portraits dʼindividus ou de groupes de personnes, des images témoins dʼun temps éphémère et futile de gens en train de sʼamuser ensemble. Au passage, on reconnaît certaines têtes connues (Alain Buffard, Mathilde Monnier, le chorégraphe lui-même…). Le diaporama dure une dizaine de minutes. Si les images défilent rapidement, installant une forme de zapping ne permettant pas de sʼattarder sur les détails mais générant plutôt une curiosité permanente pour la prochaine photo, ce diaporama crée simultanément le même sentiment que lorsquʼon regarde des photos de vacances dʼamis auxquelles on nʼa pas participé : soit une sorte de familiarité ennuyeuse et une attention latente.

Discussion : Trajal Harrell nous apprend que toutes les personnes présentes sur les images sont des personnalités de la scène chorégraphiques contemporaines. Lʼenjeu est de mettre ici en questionnement “le paraître” dans nos systèmes de mass-média et de “peopolisation”. On nʼexiste que si on est visible. Il propose alors une photographie du secteur de la danse contemporaine et se demande pourquoi les chorégraphes ne sont pas plus exposés médiatiquement. Si tel était le cas, auraient-ils davantage de reconnaissance publique ? Serait-ce alors plus facile pour eux de trouver des moyens financiers pour produire leur pièce ? Il pose ainsi un questionnement économique sur les modes de production du système et sur les implications médiatiques de la reconnaissance et de la visibilité. Qui donne de la visibilité à quoi ?

Pour prolonger : Selon Trajal interviewé par Arial Scott : “[Show Pony] blurs the boundaries between community, audience, and performers. That piece was all about attention, non-attention, and visibility. In the end, I did a slideshow of pictures taken between 2006 and 2008, showing people in the international [dance] community (Brussels, Berlin) It was highly controversial because some people thought it was like showing Whoʼs Who, Whoʼs In, or Whoʼs Out but itʼs not about who you know but about who you donʼt know. The power of attention and visibility in dance is in the hands of the presenters and programmers, unlike in most fields where thereʼs also a negotiation with others. A singer or actor has an agent, publicists, all kinds of people who are in charge of their visibility I wanted to make people question those kinds of power relationships: who decides who has attention and who doesnʼt have attention? Competition between dancers. Thatʼs the voguing aspect of it. The piece [Show Pony] is a competition. We compete for the attention of the audience.”3

c. Extrait vidéo de Twenty Looks or Paris is burning at the Judson Church (S)

http://www.impulstanz.com/gallery/videos/en/aid630/

Description : Le dispositif scénique est proche de celui de Showpony : deux rangées uniques de sièges lʼune face à lʼautre, avec au centre un espace scénique en longueur, à lʼinstar de ceux mis en œuvre dans les défilés de mode. Au fond, à droite, une série de 6 chaises installées en 2 rangs de 3 chaises, lʼune derrière lʼautre. Sous et sur les chaises, des vêtements et des accessoires sont posés. La lumière, en plein feu, met artiste et spectateurs à vue à chaque instant.

Trajal Harrell, en solo, déploie tranquillement les pages dʼun carnet où, sur chaque page est inscrit un unique numéro de 1 à 20. Il commence par la première page où est noté le chiffre 1. Il pose le carnet sur la chaise centrale de manière à ce que le numéro soit apparent au public puis commence à se changer. Une fois son nouveau “costume” enfilé, il défile alors rapidement devant le public qui a reçu en amont un programme de salle avec la liste des “Looks” numéroté de 1 à 20. À chaque numéro correspond donc un « style » que l’artiste sʼemploie à incarner successivement devant les spectateurs à lʼaide de quelques vêtements et accessoires (s’habillant et se déshabillant sur scène, à vue) et dʼune gestuelle spécifique associée. Quelques exemples :

Look 1 : West Coast Preppy School Boy Look 2 : East Coast Preppy School Boy Look 3 : Old School Post-Modern
Look 4 : American Casual Sport

(…)
Look 13 : Legendary Face
Look 14 : Icon
Look 15 : Eau de Jean Michel
(…)
Look 20 : Alt-Moderne feeling the French Lieutenant’s Woman

Au cœur de cette pièce, la question posée est : « Que se serait-il passé en 1963 si une figure de la scène Voguing de Harlem était descendue dans le Village pour se produire aux côtés des pionniers “post modern” du Judson Church Theater ? ». Trajal Harrell développe son travail comme une confrontation imaginaire entre, dʼune part les esthétiques du Judson, dʼautre part celles dʼun courant historique new-yorkais parallèle, le Voguing : quelle représentation peut naître de la rencontre entre l’authenticité du post-modernisme et le glamour du Voguing ? Il revisite dès lors le répertoire des signes des deux univers pour proposer une troisième possibilité de langage.

Épurée et minimaliste, la performance joue avec de nombreux codes et références. Elle sʼappréhende avec plusieurs niveaux de lecture possible.

Cette pièce fait partie d’une série déclinée en 5 formats (de XS à XL) en référence aux tailles de vêtement et à la mode mais aussi aux principes de répétition et d’accumulation mis en œuvre à la Judson Church. Il s’agit ici de la version (S). La version (M) a été créée en 2011, en collaboration avec trois autres performeurs : François Chaignaud, Cécilia Bengoléa et Marlene Monteiro Freitas pour un spectacle intitulé (M)imosa.

d. Extrait du film Paris is burning de Jennie Livingston (1990)

Le film à découvrir dans sa totalité sur : https://www.youtube.com/watch?v=gS0_NUqPgw4

Réalisé en 1990 par Jennie Livingston, ce documentaire est devenu en quelques années un film “culte” sur lʼunderground new-yorkais, et notamment sur la pratique du voguing. Y sont montrés les Balls de Harlem et leurs usagers, majoritairement des jeunes noirs américains ou hispaniques, gays et/ou transsexuelles. On y découvre les compétitions qui y sont organisées, les participants, leurs pratiques, les enjeux qu’ils y mettent et leurs problématiques.

Selon Peggy Phelan : “Ces compétitions constituent une opportunité dʼuser du jeu théâtral pour imiter la théâtralité même de la vie quotidienne – une vie qui inclut aussi bien les filles de cabaret, les garçons de la rue, que les hommes dʼaffaire. Cʼest ce théâtre infini de la vie quotidienne qui détermine la réalité : et cette théâtralité est saturée de préjugés, de race, de sexe et de classe. Comme lʼun des participants lʼexplique, pouvoir paraître un homme dʼaffaire, cʼest pouvoir être un homme dʼaffaire. La logique de lʼapparence recèle un pouvoir tel que lʼopportunité et la capacité (à occuper telle ou telle position) sont connotées à travers le look dʼune personne. Mais au même moment, le participant qui défile nʼest pas un homme dʼaffaire, et les tenants et les aboutissants de la performance quʼil effectue de ce statut social sur le podium de la compétition constitueront sa seule chance dʼen éprouver lʼexpérience. En fait, ces performances mettent en pratique simultanément un désir dʼéliminer la distance entre le fait dʼêtre et le fait de performer, et la réaffirmation de cette distance même”.4

Articles de presse pour en savoir plus :

  • Ariel Scott interview Trajal Harrell
    Paru le 25/04/2011. Consulté le 06/04/2012 http://www.studiomuseum.org/studio-blog/artists/questions-artists/dance-qa-trajal- harrell-brings-voguing-downtown-ariel-scott-in
  • Trajal Harrel : Voguing meets postmodern dance. By Gia Kourlas Paru le 28/01/2011. Consulté le 06/04/2012 http://www.timeout.com/newyork/art/trajal-harrell
  • Trajal Harrel : The choreographer merges voguing and postmodern dance in his latest homage to the runway. By Gia Kourlas
    Paru le 22/09/2009. Consulté le 05/04/2012 http://www.timeout.com/newyork/dance/trajal-harrell-2
  • Nouveaux Souffles d’Amérique. Par Gérard Mayen. Mouvement n°59, Avril 2011 Paru le 11/04/2011. Consulté le 05/04/2012 http://www.artishoc.fr/site.php?rub=2&fiche_mut_id=&fiche_alias=mouvement&id=21 7861&ssrub=1&mode_recherche=theme&value_recherche=1&mode_view=lecture4 Peggy Phelan, “The golden apple : Jennie Livingstonʼs Paris is burning ” dans Unmarked: The Politics of Performance, Routledge, Londres, 1993page6image20968page6image21128

4) Rencontre et échanges entre Trajal Harrell et Mark Tompkins

page7image1120

Mark et Trajal, tous deux américains, ne sont pas de la même génération. Ce quʼils ont appris et trouvé dans la Judson Church est forcément différent. Cette mise en perspective interroge les problématiques suivantes :

  • –  comment chaque personne découvre le passé dans le présent pour créer un futur ?
  • –  comment chaque période de lʼhistoire produit un corps (cf. notion de “corps neutre” versus “corps démocratique”), un corps qui se réfère à une manière dʼêtre dans la vieet/ou à une revendication politique ?Mark Tompkins : Le post-modernisme américain est arrivé en France dans les années 70. En 1973, quand je me suis installé ici, c’était vraiment nouveau. Mais ça nʼa suscité aucun intérêt particulier, voire ça a été rejeté. En revanche, dans les années 90, un retournement s’est opéré et un grand élan vers cette démarche artistique s’est développé en France. Mais à la place dʼen comprendre la matière, le secteur chorégraphique français et leurs représentants se sont plutôt intéressés aux personnalités. Si on peut regretter l’aspect réducteur de cette approche, on peut se réjouir de ses conséquences américaines car grâce à ce coup de projecteur français, les États-Unis ont retrouvé la Judson Church et se l’ont réappropriée. Rien n’est donc figé !Trajal Harrell : Le rapprochement entre le Voguing et la Judson Church sʼest fait car l’éloignement (tant géographique que symbolique) nʼest pas si grand que ça. Ils sont nés à la même époque, dans un contexte similaire. La Judson a développé un corps dit authentique. Pour des raisons artistiques, esthétiques, politiques mais également pour des raisons certainement liées à une problématique de la communauté gay. En effet, nombreux sont les artistes qui, à lʼépoque, se trouvaient contraints : ils étaient dans lʼimpossibilité dʼexprimer et/ou de représenter sur scène leur identité dans sa globalité. On ne peut ainsi dissocier cette recherche dʼun corps démocratique de la question sexuelle (plusieurs fondateurs et artistes de la Judson étaient gays ou lesbiennes). Le Voguing et la Judson répondent donc tous les deux mais de manière différente à une même problématique, à un même besoin. Lʼenjeu est alors de mêler les analyses : voir le côté formel du Voguing et étudié le côté sexuel et politique de la Judson.
  • Comment se mêlent des dimensions historiques, artistiques et politiques ?
  • Comment s’est construite l’histoire de la Judson Church (qui la raconte, sous quelsangles, dans quel contexte) ?
  • Quel lien existe entre ce qui sʼest passé et son historisation ?Mark Tompkins : Entre la culture dite de “lʼélite” et celle dite “populaire”, il y a souvent conflit. Jʼaime naviguer entre les extrêmes (entre le très pointu et le très vulgaire), pour provoquer une déstabilisation. Et cʼest une question qui semble plus prégnante en France quʼaux États-Unis. Notamment parce que ce nʼest pas la même histoire : aux USA, il y a eu le pop art qui a réconcilié ces deux aspects. Pas ici. C’est une donnée politique importante.Gérard Mayen : en France, la théorie des genres est mal comprise et très réductrice. Dans le Voguing, il y a une multiplicité des catégories pour créer dʼautres identités, des créatures de composition. Il nʼy a plus de modèles ni dʼimitations. Ça décale le regard.
  • Cʼest quoi se créer ?
  •  Quʼest-ce quʼest le je / jeu ?

Notes :

  • 1 Movement Research est un centre de création dédié à la danse et à la performance, situé à New York aux Etats-Unis : http://www.movementresearch.org/
  • 2 Le terme Voguing fait référence aux compétitions qui firent leur apparition dans des salles de Harlem à la fin des années 60. Ces compétitions sont structurées autour de participants appartenant à des Maisons qui portent le nom de leur membre le plus remarquable ou plus souvent, le nom de signatures prestigieuses de lʼindustrie de la mode (Saint-Laurent, Channel, Armani, Dior…). Véritables défilés, le Voguing a connu un certain succès dans les communautés noires, hispaniques, gays et/ou transsexuelles durant les années 80 à New York.
  • 3 Interview de Trajal Harrell par Ariel Scott sur http://www.studiomuseum.org/studio- blog/artists/questions-artists/dance-qa-trajal-harrell-brings-voguing-downtown-ariel-scott-in 2012-10-08-trajalprayerdance-1